Cine & Music

CineCrítica - X-Men Primeira Classe

2011-07-17T22:56:00.005-03:00

X-Men - Primeira Classe veio assim sem muito alarde, mas acho que merece o título de melhor filme dos X-Men já produzido. Ao longo da sua produção surgiu uma avalanche de críticas por não conter os personagens favoritos da galera. Outro ato falho foi um marketing no mínimo curioso: posters feios e teasers que mostram bastante coisa do filme, o que eu particularmente detesto, pois estraga a surpresa.

Com atuações inspiradas de James McAvoy e Michael Fassbender que interpretaram os personagens Xavier e Magneto, respectivamente, os atores comandaram o filme. Relembrando que Stan Lee quando criou Xavier e Magneto inspirou-se livremente nos debates ideológicos da época de Martin Luther King e Malcolm X pelos direitos dos negros. Por causa disso mesmo, esse idealismo não poderia estar de fora desse filme.

A primeira classe está no filme apenas para servir como entretenimento descontraído com piadinhas e para as cenas de ação. A exceção do "grupelho" é Mística, que é uma transmorfa, mas possui uma aparência real hedionda - escamosa e com olhos amarelos. Dada a natureza tranformadora de seu poder, ela consegue esconder sua forma verdadeira do resto do mundo. Mas como alcançar seu potencial se você vive sua vida concentrando-se em ser alguém que não é?

O personagem de Kevin Bacon, o mutante vilão Sebastian Shaw, é uma grande homenagem ao excêntrico, ao cafona, ao CAMP. Tudo que o cerca é exagerado: seus aliados, sua base, seus veículos e o seu poder. O vilão, cercado de excentricidades dignas dos personagens que davam trabalho a James Bond traz o elemento indispensável a qualquer filme de quadrinhos que se preze: um bandido sacana e playboy com um plano maligno mirabolante de dominação/destruição global.

Sendo assim, o filme traz uma união improvável: Bryan Singer (produtor e roteirista) que dirigiu os dois primeiros X-Men e Matthew Vaughn (diretor), de Kick-Ass. Nunca imaginei que razão e a emoção poderiam se entender tão bem em um blockbuster. As questões filosóficas e as piadas e as cenas de ação foram dessa forma muito bem dosadas e fizeram desse filme a grande surpresa das férias.

Crítica musical - Alice Cooper

2011-06-28T19:56:00.004-03:00

Texto produzido por Mário Mendes.

No dia 3 de junho de 2011 terminou a mini-turnê de Alice Cooper no Brasil. Foi um excelente show do lendário cantor de rock, de 63 anos, que veio ao Brasil pela primeira vez em 1974.

Em plena forma tia Alice faz retrospectiva da carreira, apresentando uma música nova: “I´ll bite your face off”. Com um set list recheado de clássicos, Alice Cooper abre a apresentação com garras de aranha e a tradicional maquiagem ao som de “The Black widow”, soltando faíscas das mãos. Na sequência, surgem a pesada música “Brutal planet” e o clássico “I´m eighteen”.

O cenário da turnê “No more Mr. Nice Guy – The original evil returns” usa elementos da turnê anterior, do álbum Along came a spider, de 2008. A banda é formada pelos guitarristas Tommy Henrik, Damon Johnson e o experiente Steve Hunter (que foi guitarrista de Alice Cooper nos anos 70), o baixista Chuck Garrick (ex-Dio) e Glen Sobel na bateria.

Depois de “Under my wheels”, e após distribuir dinheiro espetado numa espada em “Billion dollar babies”, a clássica “No more Mr. Nice Guy” empolga o público, que canta junto. A música “Hey stoopid” volta a marcar presença no set list de Alice Cooper, para a alegria dos fãs do álbum Hey stoopid, de 91. Após “Is it my body”, “Halo of flies” é reproduzida com riqueza de detalhes instrumentais e um bom solo de bateria.

No momento da nova música, Alice Cooper está com uma camisa onde se lê “new song”, a nova música se chama “I´ll bite your face off”, um rock´n´roll animado no melhor estilo Stones. Outros momentos de destaque no show são quando tia Alice usa e abusa de seu potencial teatral; ele canta “Only women bleed” e “Cold Ethyl” contracenado com uma boneca, e em “Feed my Frankenstein” surge um Frankenstein gigante de quatro metros no melhor estilo Eddie do Iron Maiden. Um dos momentos mais empolgantes do show é quando é tocado o hit “Poison”.

Ao som de “Killer” surge a guilhotina; Após “perder a cabeça” Alice Cooper canta o grande clássico “School´s out”, em clima de festa, e é quando surgem balões gigantes que tia Alice estoura com a espada para logo em seguida fazer uma bem sacada citação de “Another brick in the wall”, do Pink Floyd.

Tia Alice reaparece com a bandeira do Brasil e uma camisa da seleção brasileira com o número 18 de “I´m eighteen” escrita Cooper, que vem por baixo do figurino de político em “Elected”. No final, ele faz reverência ao grande nome da guitarra Jimi Hendrix, cantando “Fire”. É o fim do ótimo show do grande mestre do rock teatral.

Set list:

1- The Black Widow

2- Brutal Planet

3- I’m Eighteen

4- Under My Wheels

5- Billion Dollar Babies

6- No More Mr. Nice Guy

7- Hey Stoopid

8- Is It My Body

9- Halo of Flies

10- I’ll Bite Your Face Off

11- Muscle of Love

12- Only Women Bleed

13- Cold Ethyl

14- Feed My Frankenstein

15- Clones (We’re All)

16- Poison

17- Wicked Young Man

18- Killer/I Love the Dead

19- School’s Out

Bis

20- Elected

21- Fire

CineCrítica - Thor

2011-05-29T14:09:00.003-03:00

Fãs do universo Marvel nos quadrinhos e nas telas de cinema alegrem-se. O último lançamento do tipo: Thor é o filme que vocês com certeza estavam esperando. O universo científico já bastante explorado nos outros filmes (e representado por Homem de Ferro e Hulk) sai de cena para dar lugar a um lado mais místico e sobrenatural.

Era necessária essa mudança já que nesse filme falamos de asgardianos, seres imortais de outra dimensão, que foram confundidos com deuses pelos vikings, iniciando a mitologia nórdica.

Thor, o príncipe desse povo é um jovem impetuoso, tolo e arrogante, cujas ações rompem a trégua dos asgardianos tinham com os Gigantes de Gelo. Banido para a Terra por Odin, seu pai, ele precisa aprender lições de humildade se quiser tornar-se digno de brandir o martelo Mjolnir e recuperar seu poder imortal, bem como o direito ao trono que perdeu por suas tolices.

Quanto a cenários e fotografia do filme só digo uma coisa: espetacular. Asgard com toda sua riqueza e opulência foi muito bem retratada. A morada dos asgardianos, enche os olhos, assim como a cultura desse povo. Figurinos, o design da cidade, a iluminação e as cores, é tudo impressionante, especialmente para quem cresceu lendo os quadrinhos.

Chris Hemsworth, protagonista e praticamente desconhecido, surpreende ao dominar com segurança as suas cenas. Ele conseguiu passar muito bem a confiança e arrogância do Thor inicial. O intérprete de Loki, Tom Hiddleston, era outro desconhecido que saiu-se muito bem, dissimulado em alguns momentos e surtado em outros, um Loki perfeito. Sendo ele mesmo, Anthony Hopkins é Odin e ponto final.

O diretor Kenneth Branagh fez um trabalho impecável, inclusive nas cenas de ação, com as quais não tinha muita experiência, visto que sua verve é “shakespeareana” e teatral. Realmente vemos aqui batalhas emocionantes, à altura das maiores aventuras do personagem nas páginas dos quadrinhos.

O ponto fraco do filme fica para algumas das cenas rodadas na Terra, com piadas completamente desnecessárias sendo proferidas por personagens menores do filme. Outra coisa que me encucou foi a rapidez com que Thor aprendeu a lição e se tornou uma pessoa melhor bem como se apaixonou pela Drª Jane Foster, interpretada pela Natalie Portman. Bem mas piadas e romance eram necessários para deixar o filme masi palatável para o público.

Por fim, que venha o filme dos Vingadores, o caminho natural que os filmes da Marvel Studios estão arquitetando. Onde a pancadaria vai rolar solta, sem dúvida. Avante Vingadores ou Avengers assemble!

Crítica Musical - Ozzy

2011-05-11T21:15:00.002-03:00

Essa é a quarta vez que o roqueiro Ozzy Osbourne vem ao Brasil, engraçado que nem faz tanto tempo da última vinda do Madman: 2008. A primeira foi no lendário Rock in Rio de 1985 e a segunda foi em 1995 no Monsters of Rock. Inesperadamente, Ozzy anuncia uma turnê sul-americana e toca no Citibank Hall no Rio de Janeiro. A turnê visa a promoção do novo CD Scream de 2010.

Ozzy como sempre anima o público, jogando vários baldes de água na galera e também s e utilizando de uma mangueira para refrescar o público. A primeira música do setlist foi “Bark at the moon”, um clássico da carreira do Príncipe das Trevas que empolgou a platéia. Depois o Madman tocou a nova “Let me hear you scream”, que realmente tem tudo para ser cantada em muitas outras turnês do cantor.

Após essa música houve um dos momentos mais emocionantes da noite com “Mr Crowley”. O estádio realmente pulsou com essa música. O show continuou com “I don’t know”, um hit adorado por Ozzy e seus seguidores. Há uma pequena pausa, como se Ozzy dissesse: "Let´s play some Black Sabbath". A música escolhida é "Fairies wear boots", em que a banda zoava skinheads que deram porrada neles.

Depois veio a longa "Suicide solution" que é um dos xodós de Ozzy e sempre é cantada. A linda homenagem a morte do amigo e guitarrista Randy Roads, “Road to nowhere”, emocionou a muitos na platéia. O público depois trata de se agitar, pois é a vez de “War Pigs”, super clássico do Sabbath. Um som oitentista muito foda "Shot in the dark" foi escolhido para ser a grande surpresa do set. Ozzy aproveitou par beber água quando a banda tocou a instrumental do Sabbath "Rat Salad".

Depois da "jam" mais Black Sabbath com “Iron Man” na trilha de sucesso que o filme homônimo gerou, que conta com a música na trilha sonora, além de já ter gerado uma seqüencia. Depois o rockstar emendou com “I don’t want change the world”, música com temática bem individualista. ”. O show segue com “Crazy Train”, sendo que essa música ,talvez seja, o maior sucesso da carreira solo de Ozzy.

Na volta para o bis a banda toca a balada clássica “Mama, I’m coming home” e o fecha o show com “Paranoid”, que sempre fecha os shows do Príncipe das Trevas. Nota importante: os insistentes pedidos da platéia não comoveram a banda que clamavam por "No more tears", sucesso da década de 90.

Setlist
1. Bark At The Moon
2. Let Me Hear You Scream
3. Mr. Crowley
4. I Don't Know
5. Fairies Wear Boots (BLACK SABBATH)
6. Suicide Solution
7. Road To Nowhere
8. War Pigs (BLACK SABBATH)
9. Shot In The Dark
10. Rat Salad (BLACK SABBATH)
11. Iron Man (BLACK SABBATH)
12. I Don't Want To Change The World
13. Crazy Train
14. Mama I'm Coming Home
15. Paranoid (BLACK SABBATH)

CineCrítica - Sucker Punch

2011-04-04T19:55:00.009-03:00

Loucura? Não exatamente, o que muitos críticos vêm falando sobre o filme "Sucker Punch" não bate com a história. Em Cine & Crítica, tentamos não escrever sinopses, portanto não tocarei muito no enredo para explicar.

A película em si lembra algo como um clipe musical moderno e com paisagens muito fascinantes, tanto nas cenas de ação quanto nas mais brandas. A verdade é que o elenco de mulheres que se apresentam como heroínas é belo em cada unidade. Rostinhos bonitos segurando armas de fogo num estilo meio jogos eletrônicos (d)e rpg foram o contraste, ainda assim, dá a impressão de reprise. Talvez o público-alvo principal seja mesmo os nerds.

Zack Snyder é experiente e sabe o timing exato em que deseja expor tal cena, tal ator, de tal forma. A fotografia é bem humana, nervosa e abilidosa quando a violência pega, tranquíla quando correm os diálogos.

Qualidade da sala de cinema a parte, "Sucker Punch" passou meio batido por contar histórias com elementos que já se viu por aí antes. No que se disse sobre a loucura, loucos são aqueles que passam por experiências parecidas e ficam calmos, sem traumas. O "mundo surreal" criado por Baby Doll (Emily Browning) e Snyder funciona como a mais pura válvula de escape, para a personagem e até para o expectador, talvez, por isso, caia sobre uma mensagem de motivação ao final.

Crítica Musical - Rush

2011-01-17T13:30:00.008-02:00

Após oito anos o RUSH esteve de volta ao Rio de Janeiro (10/10), para a realização da turnê Time Machine, em que o principal destaque é a execução do disco de maior sucesso comercial do grupo, o Moving Pictures, de 1980. Às 21h30 em ponto, os três telões, um no centro do palco e os outros nas laterais, começaram a exibir um filme curto que faz brincadeiras com a história da banda. No meio do diálogo aparece uma máquina do tempo e o personagem de Alex Lifeson aperta um botão vermelho por engano e o grupo é transportado para o futuro, o que é a deixa para os primeiros acordes de “The Spirit of Radio”, que faz o público incendiar a Praça da Apoteose.

Na sequência o grupo tocou os clássicos não muito tocados em shows “Time Stand Still” e “Presto”. No final desta última, Geddy Lee saudou o público em inglês. Na sequência, tocaram mais duas músicas que raramente aparecem no set list da banda, “Stick it Out” e a instrumental “Leave That Thing Alone”. Depois vieram 2 músicas do Snakes & Arrows , “Working Them Angels” e "Faithless”.

Em seguida, o Rush apresentou a música inédita “BU2B”, do novo disco Clockwork Angels, que será lançado em 2011. A música é pesada e teve como pano de fundo vários efeitos especiais do palco. Foi a deixa para a sequência da trinca de grandes clássicos que viria a seguir: “Freewill”, “Marathon” e “Subdivisions”, que voltaram a empolgar o público e que encerrou a primeira parte do show, após 1h10min do início da apresentação.

Antes de começar a tão aguardada segunda parte do show, em que seria executada na íntegra o disco Moving Pictures, um relógio com o ano de 1974, que fazia uma contagem até o ano de 1980. Quando o relógio chegou neste ano, as luzes se apagaram e mais um vídeo começou a ser exibido.

Depois do vídeo, o Rush entra no palco, começa a executar as primeiras notas de “Tom Sawyer” e levanta o público, que canta toda a letra da música, assim como acontece também no clássico seguinte “Red Barchetta”. Para incendiar de vez a Praça da Apoteose, vem em seguida a instrumental “YYZ”, que é entoada em coro pelo público. O hit “Limelight” vem em seguida, mantendo a empolgação tanto da banda quanto da platéia, o que também acontece nas três músicas “The Camera Eye”, “Witch Hunt” e “Vital Signs”.

Logo após a última música do clássico disco ser executada, o Rush tocou mais uma música nova, “Caravan”, que é uma música pesada e que teve a utilização de diversos efeitos especiais do palco, além de relógios e válvulas no telão. Agora é a vez de Alex Lifeson executar uma bela introdução para “Closer to the Heart”, do disco A Farewell to Kings. As duas músicas que encerraram a segunda parte do show foram “2112 – Overture / Temple of Syrinx” e “Far Cry”.

Geddy Lee chegou a se despedir do público, mas ainda faltavam mais duas canções, a épica e instrumental “La Villa Strangiato” e “Working Man”, que começou diferente da versão de estúdio, com uma levada reggae, para depois obter mais peso nos instrumentos e ter a levada Hard Rock original. No final, um vídeo com os atores Paul Rudd e Jason Segel, do filme “Eu Te Amo, Cara” (2009), em que eles interpretam dois grandes fãs do Rush. Após quase três horas de show com 24 músicas, o público carioca saiu da Praça da Apoteose feliz e com a certeza de ter presenciado um dos melhores shows de rock da atualidade.

Parte 1

1. The Spirit of Radio

2. Time Stand Still

3. Presto

4. Stick It Out

5. Workin' Them Angels

6. Leave That Thing Alone

7. Faithless

8. BU2B

9. Freewill

10. Marathon

11. Subdivisions

Parte 2

12. Tom Sawyer

13. Red Barchetta

14. YYZ

15. Limelight

16. The Camera Eye

17. Witch Hunt

18. Vital Signs

19. Caravan

20. Love 4 Sale (Solo Neil Peart)

21. Closer to the Heart

22. 2112 Overture / Temples of Syrinx

23. Far Cry

Bis

24. La Villa Strangiato

25. Working Man

Crítica Musical - Bon Jovi

2010-11-11T19:30:00.009-02:00

A Apoteose ficou lotada de fãs para assistir ao show do Bon Jovi. A banda fez uma boa apresentação, o que destoou foi ter sido um dos menores setlist da América Latina. Faltaram esses clássicos “Blood on blood”, “Have a nice day”, “Blaze of glory” e “Bed of roses”. E como eu sou muito fã faltaram também: “Misunderstood”, “In and out love”, “Never say goodbye”, “Lay your hands on me” e “I’ll be there for you”. Seria facilmente o melhor setlist da turnê, mas acredito que nem nos States eles cantaram todas essas músicas.

Bastante carismático, conseguiu fazer a platéia cheia de lindas meninas ficarem histéricas. O sortudo Bon Jovi cantou muito e mostrou que não esqueceu como se toca. Outra estrela da noite foi o guitarrista Richie Sambora, foi um verdadeiro guitar hero, além de se arriscar nos vocais de “Homebound train”. Apesar do repertório do Rio ter sido a menor da turnê sul-americana, a apresentação da banda foi perfeita, o som estava excelente, a produção e a organização estavam ótimas.

O clássico “You Give Love a Bad Name” fez a Apoteose inteira pular. Outras músicas que se destacaram no show foi a balada “Always”, que embalou os casais e a “Living On a Prayer”, que no telão mostrou um vídeo onde vários fãs cantavam a música. Os clássicos oitentistas também deixaram a festa mais bonita: “Born to be my babe”, “Runaway”, “Bad medicine” e “Wanted dead or alive”. Das músicas dos anos 90 se destacaram: “Keep the faith”, “It’s my life” e “These days”.

1. Lost Highway

2. We Weren’t Born to Follow

3. You Give Love a Bad Name

4. Born to be my Baby

5. Superman Tonight

6. The Radio Saved my Life Tonight

7. Just Older

8. Runaway

9. It’s my Life

10. Bad Medicine ~ Roadhouse Road (The Doors cover)

11. Homebound Train (Richie Vocais)

12. What Do You Got?

13. Always

14. Happy Now

15. Thorn in My Side

16. Someday I’ll be Saturday Night

17. Who Says You Can’t Go Home

18. Loves the Only Rule

19. Keep the Faith Bis

20. Wanted Dead or Alive

21. Livin’ on a Prayer

22. These Days

CineCrítica - Scott Pilgrim Vs The World Movie

2010-10-22T16:56:00.011-02:00

Estava esperando esse filme desde a confirmação da exibição do mesmo no Festival do Rio. Logo, a expectativa estava lá em cima, principalmente, pois disseram que Scott Pilgrim roubou a cena na última Comic - Con.

Devo dizer que em relação à parte séria do filme, antes dos efeitos tomarem conta, me surpreendeu muito não esperava que fosse ficar tão engraçado. Agora, na hora das lutas acho que eu esperava um pouco mais, talvez fazê-las como eram nos jogos clássicos e não nos moderninhos atuais.

O logo da Universal Pictures apareceu animado em 8 bits, com música de sintetizador acompanhando e isso foi muito legal. O filme acompanha muito de perto a HQ independente, além de ser mais do que uma simples homenagem aos videogames do passado, colocando na tela onomatopéias e outros grafismos extraídos dos quadrinhos.

A trilha empolgadíssima de Beck contando a história do sujeito sem-noção, desconectado com seus sentimentos e que, depois de um rompimento doloroso, acaba magoando todas as garotas com quem inicia relações, realmente funcionou na telona. No saldo foi um ótimo entretenimento assistir Michael Cera mandando ver na guitarra.

CineCrítica - Kick Ass

2010-09-02T17:35:00.004-03:00

O filme de estréia do britânico Matthew Vaughn como diretor traz a jornada do herói enquanto penitência. Se a idéia é dar ao personagem uma consciência do que é ser herói, antes de tudo é preciso olhar para si mesmo.

Quando Dave Lizewski veste o uniforme pela primeira vez, ainda é um espectador (uma crítica ao narcisismo dos tempos modernos ou viagem minha?). Já na cena, em que se olha no espelho para medir o olho roxo e o sangue na boca, vira de fato o protagonista de sua própria história.

Vaughn estende essa maneira frontal de encarar as coisas a diversas outras situações. A mediação entre espectadores e espetáculo é questão importante do filme. A defesa do latino espancado é mediada pelo YouTube, o ataque de Big Daddy ao galpão é visto pela câmera de vigilância, e a cena do castigo é transmitida mundialmente ao vivo. O diretor brinca com todos esses ângulos e perspectivas.

A violência do filme é trabalhada de modo bastante sofisticado pelo diretor. Quando envolve os vilões é uma violência caricatural. Quando envolve Dave Lizewski, a violência passa a ser mais verossímil e o sangue digital dá lugar ao sangue de corante, tudo isso ao som de uma eletrizante trilha sonora. Poderia enumerar algumas dessas cenas e músicas divertidas, mas isso seria tiraria um pouco da surpresa do espectador.

CineCrítica - Homem de Ferro 2

2010-08-06T18:28:00.004-03:00

A maior qualidade de Homem de Ferro é explorar Tony Stark como o mais falho dos super-heróis do cinema. Obviamente, o perfeito equilíbrio entre ação e humor também não prejudica em nada. Na trama, depois de revelar ao mundo que é o Homem de Ferro, Tony Stark enfrenta novos problemas: a mesma tecnologia que o mantém vivo começa a envenená-lo e um antigo inimigo da família Stark sai das sombras...

Favreau opta por aumentar a quantidade de personagens. É hora de sermos apresentados a Natasha Romanov, Ivan Vanko e Justin Hammer com função de atribular as já complexas relações entre o trio protagonista (Stark, Pepper e Rhodes). É tudo tão meticuloso que sobra até espaço para cenas legais com Happy Hogan e Nick Fury.

É ótima a maneira que Jon Favreau e o roteirista Justin Theroux concatenam as ligações entre os personagens e seus passados. Os dois novos vilões, Vanko e Hammer, são forjados na melhor tradição da Marvel Comics. Motivos justos e métodos bem questionáveis os distanciam da preferência do público. Aliás, não fosse o talento cômico e o carisma de Downey Jr., o próprio Tony Stark causaria repulsa. Como torcer por um sujeito narcisista e arrogante?

Homem de Ferro 2 entrega tudo o que se espera de um filme baseado nos quadrinhos também na ação. As seqüências explosivas são significativas, amarradas à trama e resumem de maneira visual os dilemas dramatizados. Favreu interessa-se também pelos efeitos especiais super bacanas e câmeras por todos os lados registrando a ação e explosões. O que chama a atenção são as armaduras reluzentes, mas o que sustenta o filme são os diálogos.

Crítica Musical - Guns 'n' Roses: Chinese Democracy Tour

2010-07-13T17:35:00.006-03:00

Quase um mês depois da frustração do cancelamento do show na Apoteose, o dia nublado trouxe junto grande apreensão aos fãs. O temporal foi o responsável pelas três semanas de espera, mas desta vez, a chuva não estragou o evento. Com muitos clássicos, um grupo de músicos competentes garantiu que os fãs deixassem o local com largos sorrisos no rosto. A noite começou com uma performance da banda Majestike.

A espera pelo próximo show não foi longa, e logo o eterno Skid Row Sebastian Bach estava agitando a galera com seu microfone giratório. O público mostrou mais empolgação com "18 and Life", "I Remember You" e “Youth Gone Wild” do Skid Row; do que com canções solo, como por exemplo, a legal "Back In The Saddle", cover do Aerosmith.

Com o fim da apresentação de Bach, começa a longa espera. Logo depois da primeira hora, com o som já repetindo diversas músicas, o público começou a vaiar e insultar. E eu morrendo de medo que ele ficasse puto e fosse embora de vez. A verdade é que esperar pontualidade de Axl Rose é ingenuidade, por mais que se tratasse de uma madrugada de um dia útil.

Para azar dos que se foram, por volta da uma da manhã, a faixa título de Chinese Democracy mostra que o show começou. Ela foi seguida pela clássica e esmagadora trinca: a unânime "Welcome To The Jungle", a punk "It's So Easy" e a pesada "Mr. Brownstone". O trio de Appetite for Destruction ganhou o público. Em seguida, veio "Sorry", um legítimo pedido de desculpa por nos ter feito esperar tanto. O clima voltou a esquentar com "Better" e "Live and Let Die" (cover sensacional de Paul Mcartney), seguida por "This I Love". Nesse ponto do show, durante a irresistível "Rocket Queen", já era possível atestar a boa qualidade da banda de Axl.

"Street of Dreams" deu prosseguimento à noite, e em seguida vieram a demolidora "You Could Be Mine", e a açucarada "Sweet Child O'Mine", sempre cantada em uníssono por qualquer platéia. Logo depois veio uma seqüência de baladas sensacionais: "November Rain" e "Knockin' On Heaven's Door" (cover emocionante de Bob Dylan). Depois de duas baladas, a escolha foi acertada: a eletrizante "Night Train". Depois, "Madagascar" foi a última de Chinese Democracy a ser executada.Quase acabando, só nos restava curtir a incrível balada "Patience" (para atestar que valeu a pena ter paciência com o longo atraso inicial) e a magistral "Paradise City", uma vez que é impossível saber quando - e se - o Guns voltará.

Set List:
Chinese Democracy
Welcome To The Jungle
It's So Easy
Mr. Brownstone
Sorry
Better
Live And Let Die
This I Love
Rocket Queen
Street Of Dreams
You Could Be Mine
Sweet Child O' Mine
November Rain
Knockin' On Heaven's Door
Night Train
Madagascar
Patience
Paradise City

Crítica Musical - Heaven and Hell: The Devil You Know Tour

2010-03-26T22:04:00.007-03:00

Mesmo antes de começar o show, gritavam em uníssono: "Sabbath, Sabbath, Sabbath...". Quando a introdução "E5150" foi irrompida pelo pesado som de Tony Iommi, ninguém duvidou que estava diante do Sabbath. O riff de "The Mob Rules" foi a senha para que todos fossem à loucura e começassem a cantar junto com o elfo Ronnie James Dio. Quando Dio entoou "Children of the Sea", demonstrou o talento de uma das grandes vozes do rock. Em seguida veio a boa "I", do disco "Dehumanizer". "Bible Black", canção do novo álbum, "The Devil You Know é o primeiro single do disco e foi muito bem recebido pelo público.

"Time Machine" veio acompanhada de um solo de bateria curto de Vinny Appice. A apresentação de novos temas se seguiu com "Fear", sem dúvida uma das mais interessantes do novo trabalho. Seguiu-se a excelente "Falling Off the Edge of the World", música do "Mob Rules" . O interessante é que um dos pontos altos veio depois da nova "Follow The Tears". O público foi recompensado com um dos maiores clássicos do Black Sabbath, em especial da Dio Era, "Die Young" do "Heaven and Hell". Em seguida veio o momento em que todos esperavam: os gritos de "ô, ô ô ô... " introduziram a canção que dá nome à banda: "Heaven and Hell". O único problema foi a versão estendida da música, um tanto quanto cansativa. Mais curta, daria espaço para mais canções no setlist, mas também a música é o carro-chefe da banda.

A banda deixou o palco sob fortes aplausos, para voltar para o bis com uma ótima música : "Country Girl". Excelente, pena não tocar inteira. "Country Girl" fez parte de um medley que encerrou o show com mais um clássico: "Neon Knights", o petardo que abre o álbum "Heaven and Hell". Todos pularam a exaustão e foram embora com a sensação de ter presenciado um dos grandes espetáculos da nata do som pesado. Uma aula de Rock and Roll com muito peso e talento. Eles podem ser chamados do que quiser, mas o que importa é que eles sempre levarão adiante o legado do bom e velho Black Sabbath.

Set List:
E5150
The Mob Rules
Children Of The Sea
I
Bible Black
Time Machine
Fear
Falling Off The Edge Of The World
Follow The Tears
Die Young
Heaven And Hell
Country Girl
Neon Knights

Crítica Musical - Living Colour no Circo Voador

2010-02-14T14:25:00.003-02:00

O Living Colour demonstrou, em um show intenso, que a carreira da banda vai bem além dos hits, como “Cult of Personality” e “Glamour Boys”, que não ficaram de fora. O Circo Voador, na Lapa, ficou agitado e, em algumas situações, como na música “Open Letter To A Land Lord”, teve seu público emocionado, em meio a um repertório entre versões diversas e interessantes para alguns clássicos e canções que, apesar de não terem alcançado o título de hit, têm qualidade inegável.

Desde o início do show, o público foi bem receptivo, demonstrando um sincero interesse em ouvir a banda, que se caracteriza sempre por misturar diversos ritmos em suas músicas, como o Hard Rock, ritmos caribenhos (como o que marca a música já citada “Glamour Boys”), Pop, ritmos à “Black music”, entre outros.

A banda demonstrou, ao decorrer do show, toda a empolgação de tocar no Brasil e o envolvimento entre banda e público foi marcado por um show receptivo por ambas as partes.

De músicas mais pesadas, como em “Time’s Up”, “Go Away” e a famosa “Type”, a músicas mais tranqüilas e viajantes, como na já citada “Open Letter to A Land Lord”, o repertório abrangeu várias fases da banda. A maior parte das canções recebeu uma roupagem ainda mais pesada, porém altamente bem vinda, do que nas versões originais, graças principalmente à densidade das bases do guitarrista Vernon Reid.

Os solos de cada instrumentista foram, também, um show à parte e serviram para dar um gás para as músicas seguintes no show.

O Bis, tão bem executado como o restante do show, também empolgou em cheio aos fãs, quando foi tocada a balada “Love Rears It’s Ugly Head”, um cover para “Crosstown Traffic” (Jimi Hendrix) e, em seguida, também um cover para “Sunshine Of Your Love”, do Cream.

Um show nada óbvio e muito empolgante, eclético e muito bem executado pelos excelentes músicos que formam o Living Colour, entre eles o renomado guitarrista Vernon Reid e o vocalista inconfundível Corey Glover, que demonstrou ótima forma em todas as músicas, provando sua alta competência vocal depois de tantos anos de carreira.

Colaboração de Rafel Saraiva

CineCrítica - Avatar

2010-01-09T13:14:00.004-02:00

Pandora, o mundo alienígena que James Cameron (diretor, roteirista e produtor) imaginou, é demais. O ecossistema tem um nível de detalhes surpreendente, como se desenvolvidos por geneticistas. A civilização Na´Vi é um amálgama das grandes civilizações indígenas. Os conceitos de energia e religião do filmeme são bem interessantes principalmente, graças às conexões físicas entre as criaturas Na'Vi e Pandora.

A história é conhecida, quase notória, e os personagens simples. Resumindo: o filme trata da ganância do homem sobre Pandora. O roteiro é pré-digerido e sem surpresas. A cada diálogo clichê há milhares de detalhes gráficos importantes. Worthington, o protagonista, convence tanto quanto paraplégico alquebrado como guerreiro falastrão. Enquanto isso, o Coronel Quaritch (Stephen Lang) se estabelece como um grande vilão de blockbuster (essa categoria de personagem, realmente estava fazendo falta nos filmes recentes de ação e ficção).

O volume absurdo de elementos em tela nunca se sobrepõe aos personagens e seus dramas, nem mesmo no colossal clímax. Em certos quadros vertiginosos fica difícil distinguir até o que é real e o que é criado por computador. As cenas em que humanos e Na´Vi dividem as telas desafiam qualquer percepção.

CineCrítica - 2012

2009-11-28T15:55:00.008-02:00

Seguindo a leva de filmes com situações surreais que levam ao fim do mundo, "2012" não poderia ter outro diretor a não ser Roland Emmerich, mesmo diretor de "Independence Day" e "O Dia Depois de Amanhã".

No grosso, o filme parte de uma previsão feita pelos Maias, que diz que o apocalipse ocorrerá em 2012 através das forças do sol. Dentro desta tese se desenvolve uma explicação que já foi contestada até por cientistas americanos.

Poderia ser mais um filme com este tema, mas desta vez, Roland se superou. Apesar da tese e do roteiro apenas ser direcionado a explicação do fim do mundo o filme tem seus pontos fortes nas cenas de destruição que são as mais elaboradas, mais abragentes e bem produzidas que já vi. Ótimos efeitos.

Além de contar com o ator John Cusack, "O Júri" (2003), "Identidade" (2003), "1408" (2007), que apesar de ter poucos prêmios em sua carreira considero um dos atores que trabalham não para aparecer, mas coletivamente para fazer bons filmes. Ele é o herói do filme que tenta salvar sua família.

Porém, eu tenho uma crítica. Por que todos os filmes de desastres, sejam naturais ou humanos, necessitam ter um herói americano que sacrificaria sua vida para salvar sua família ou o mundo? Por que simplesmente não pode haver o cientista que estuda o evento e acha uma maneira de evitá-lo ou salvar as pessoas do desastre iminente? Sempre tem que haver pessoas comuns que tentam salvar sua família ou seu amor!

Esse heroísmo me enoja. Espero que no próximo evento de destruição do planeta achem uma outra forma de escreverem as cenas de ação sem terem que colocar este tipo de personagem no roteiro. Então, o filme deixará de ser previsível, será diferente, ganhará o meu respeito. Quem sabe o filme não será visto apenas pelas cenas de ação e, sim, por seu roteiro e concorrerá a mais prêmios além dos efeitos.

CineCrítica - Michael Jackson's This Is It

2009-11-23T15:24:00.006-02:00

O que interessa para os fãs é que Michael está ali o tempo todo, dançando muito e comandando tudo. Trata-se de um ensaio com uma puta trilha sonora, recheado com muitas cenas pré-filmadas. Kenny Ortega, diretor do espetáculo, parece estar ali só para cuidar da parte cinematográfica. O filme mostra Michael Jackson como fazendo piadinhas, corrigindo músicos ("faça com amor, A, M, O, R"), ensaiando dançarinos, sempre perfeccionista. “É pra isso que ensaiamos”, repete depois de um esporro. "Queremos dar a eles talento como nunca viram antes", explica o cantor à equipe.

Os hits do astro vêm desde a abertura com "Wanna Be Startin' Somethin" até o encerramento ao som da emblemática "Man On The Mirror". São duas horas de “Beat it”, “Thriller”, “Billie Jean”, “I’ll Be There”, “Black or White”, entre outros sucessos. “Quero como está nos discos”, o rei do pop insiste com os músicos. Numa super produção hollywoodiana, "Smooth Criminal" vem acompanhado de um filme que coloca o cantor dentro do clássico Gilda. Ele foge de bandidos e interage com personagens. Curiosamente, a nova versão de "Thriller", com direito a aranhas gigantes, fantasmas e múmias, descaracteriza um pouco o clássico dos videoclipes. Pelo menos, não mudaram a famosa coreografia apresentada no palco. Pô, eu quero é ver zumbi!

This Is It se restringe a um musical com breves momentos documentais por isso, acho que faltou alguma coisa, o filme acabou rápido demais, sei lá. E se você ficou com gosto de quero mais, fique até o final dos créditos para duas cenas extras emocionantes.

Músicas que são tocadas na íntegra no filme: "Wanna Be Startin' Somethin'", "Jam", "They Don't Care About Us", "Human Nature", "Smooth Criminal" , "The Way You Make Me Feel", "I Want You Back" , "I'll Be There", "I Just Can't Stop Loving You", "Thriller", "Beat It", "The Earth Song", "Billie Jean" e "Man In The Mirror".

CineCrítica - G.I. Joe - A Origem de Cobra

2009-09-29T13:13:00.003-03:00

Bem, curto e grosso, pensei que seria um filme Framboesa de Ouro. Essa baixa expectativa que eu tinha gerou uma grande surpresa, pois gostei do que eu vi na tela. Porque o provável seria um produto de qualidade duvidosa, já que a matéria – prima era uma linha de bonecos da Mattel, o desenho animado dos anos 80 e muitas versões revisadas e recontadas de quadrinhos publicados pela Marvel.

Geralmente, quando uma série sofre tantos reeboots está fadada a ser um fracasso quando transportada para à película, contudo o G.I. Joe do cinema me surpreendeu com um roteiro bem razoável, algumas boas cenas de ação (muitas mentiras desnecessárias também vide a batalha subaquática, o que é um ponto negativo do longa), um elenco entrosado e algumas piadas bem encaixadas na trama. Eu diria que entre os blockbusters receberia uma nota entre 7 e 8, sendo assim, já valendo a pena a ida ao cinema.

O G.I. Joe é um grupo de soldados de elite de diferentes nacionalidades que usa tecnologia para deter o corrupto vendedor de armas chamado Destro e o surgimento da organização terrorista Cobra, que quer acabar com o mundo. O roteiro é bem mastigado, seguindo a cartilha de Hollywood (tá bom, nem sempre isso acontece, mas deveria), não tem como sair com dúvida de quem é quem e porque estava agindo daquele jeito. Para isso, o diretor usa e abusa de flashbacks, com o motivo de não dar tempo ao público relaxar e assim, a cada uma daquelas piscadas mais lentas, traz memórias antigas, com mais cenas de ação, como não deveria deixar de ser nesse tipo de filme.

CineCrítica - Arraste-me para o Inferno

2009-08-20T23:05:00.007-03:00

No mundo da fantasia, as coisas pequenas da vida parecem acarretar grandes perrengues, e quando vai se negar uma extensão no crédito de uma velhinha muito da feia, as coisas não são diferentes. A volta de Sam Raimi (Evil Dead, Spider-Man) aos filmes de horror marca também a volta das cenas que te fazem rir no meio de semblantes amedrontados. Ninguém vai dizer que é terrir, mas, ainda sim, haverá algumas cenas no mínimo cômicas.

Contar o final? Eu bem que poderia, mas alguns podem se divertir com a reviravolta, apesar do bom expectador saber exatamente quando é o final, quando é para rir e quando é para levar susto. Tudo o que acontece é antecedido por algum sinal, certas vezes óbvio.

O papel da protagonista Cristine Brown, interpretada por Alison Lohman (Big Fish), na verdade, era destinado, originalmente, a Ellen Page (Juno) que largou o projeto semanas antes das filmagens. A substituta fez o possível, mas considerando um personagem que foi alvo de uma maldição absurda, vítima de uma perseguição "pré-datada" por uma entidade das trevas coisa-ruim, Cristine permaneceu deveras branda, principalmente no fator psicológico. Até Sally Hardesty (The Texas Chain Saw Massacre) mostrou que a psique humana tem lá seus limites quando enlouqueceu de verdade no fim do massacre.

CineCrítica - Harry Potter e o Enigma do Príncipe

2009-07-26T20:01:00.003-03:00

Emoção! Talvez a melhor palavra de definição. À parte da ação, o novo episódio da série do bruxo inglês transmite, apenas, uma grande preparação para os futuros eventos que se seguiram nas duas últimas partes da adaptação. E mesmo agora, após tantos livros adaptados os fãs (normalmente os fãs) ainda se atrevem a fazer comparações, e a palavra adaptação (mais) uma vez em nunca é levada em consideração.

Digo que não li o livro, na verdade não li nenhum deles. Não saberia dizer se seria algo bom, pois daria maior imparcialidade. Enfim, o grosso da película fala basicamente sobre romances adolescentes (chove-não-molha de praxe), em paralelo com os dois planos maniqueístas, mais as recreações como o tal esporte quadribol, entre outras atividades colegiais.

O amadurecimento de todo o elenco é visível, o que não quer dizer que há, de fato, tantos destaques. O veterano Alan Rickman que interpreta Severo Snape, por exemplo, agora com um papel mais sólido na trama, mostra uma versatilidade de dar inveja, tanto em cenas cômicas, quanto às mais sérias e àquelas em que não precisou dizer muito, pois pairava o cabível silêncio.

Quanto aos efeitos visuais e o domínio dos planos de câmera, todos fazem jús a grande produção e o nome da franquia Harry Potter. Sete livros para oito filmes, uma das autoras mais ricas do mundo e o ator mais endinheirado do Reino Unido.

CineCrítica - Tranformers 2 - A Vingança dos Derrotados

2009-07-26T15:12:00.007-03:00

Claro que o primeiro filme é necessária a introdução do enredo e apresentação dos personagens. Isso favorece a sequência pode e deve deixar fluir mais a ação. Mas esta sequência, com certeza, é melhor que o primeiro filme.

Pois mesmo sendo sequência, este enredo é mais original que o primeiro, que é adaptado dos desenhos. É um ótimo enredo com algumas surpresas, mas o roteiro, mal escrito, pecou muito quando criaram uma robô mulher. Tirou a essência do filme.

Houve um melhor aproveitamento dos elementos que fizeram do primeiro filme um sucesso, os atores tiveram melhores e maiores participações e atuações. Megan Fox está cada vez mais linda. Em minha humilde opinião, a mulher mais sexy do mundo, mas ainda falta para ser uma ótima atriz como Angelina Jolie, e Shia LaBeouf está amadurecendo.

Os efeitos são muito melhores e o diretor Michael Bay abusou dos melhores efeitos que a Dreamworks oferece. Os efeitos e sons perfeitos, com ótimas cenas de ação, dispensam comentários, no mínimo serão indicados ao Oscar 2010. Neste ano ainda não vi nada superior. Portanto, quem não assistiu a este filme no cinema perdeu um grande show de efeitos.

CineCrítica - O Exterminador do Futuro 4 - A Salvação

2009-07-26T14:20:00.007-03:00

Este é um filme que não merece, nem há, muitos comentários a serem feitos. Esta produção é a tentativa de conclusão dos 3 filmes anteriores. Finalmente chegamos ao "futuro" retratado nos anteriores. eles finalmente descobrem que a Skynet reproduzem robôs com a feição humana. a surpresa fica por conta da reprodução de Arnold Schwarzenegger em sua época de "Conan O Bárbaro".

Fora isso, não há enredo, pois tudo já foi contado e as falas são limitadas em diálogos sobre a guerra e em cenas de ação.

Para quem gosta da sequência se surpreenderão com o som, que é o melhor elemento do fime.
Para quem é amante de cinema não há nada de espetacular. Citanto uma frase de um espectador "Só tem explosão, não dá nem para dormir!".

No mais, a dica é assistir a este filme em uma sala propricia com um bom equipamento de som.

CineCrítica - Anjos e Demônios

2009-05-30T16:06:00.028-03:00

Primeiramente quero deixar registrado a quem leu este livro, que realmente verão um filme nada fiel, diferentemente de "O Código DaVinci", e é exatamente por isso que, sendo muito bem adapatado à linguagem cinematográfica, assistirão à um ótimo filme de suspense policial.

Em "O Código DaVinci" Ron Howard preservou muito a linguagem literária de Dan Brown, e em sua busca pela ação policial pecou deixando de fora componentes importantes e interessantes do livro, como o desenrolar e explicação dos enigmas encontrados nas obras de arte. Tudo isso deixou o roteiro longo dificil de ser entendido pelos espectadores que não leram o livro, transformando o longa em algo maçante e chato pela demora em sua conclusão.

Já "Anjos e Demônios" é um filme com o roteiro bem mais simples, entendível. A ação é muito mais dinâmica e objetiva, isto é, o filme começa e termina a mil. Sem parar, durante todo o filme, a ação se funde com a história e obriga o espectador a ficar ligado cem por cento no filme para não perder nenhum detalhe.

Portanto, eu chamo de roteiro bem adaptado o filme que consegue modificar para a linguagem cinematográfica um texto literário com a mesma emoção e dramaticidade, e isso, "Anjos e Demônios" tem de sobra.

O filme ainda conta com atuações regulares de Tom Hanks, novamente no papel do simbologista Robert Langdom, Ewan McGregor (A Ilha, Star Wars - A Vingança dos Sith) como o Camerlengo Patrick McKenna e Ayelet Zurer (Munique) como a cientista Victoria Vetra.

Enfim, com todos estes elementos ao seu favor, ao adaptar para o cinema a luta de Robert Langdom contra os illuminatis em busca do resgate dos preferidos para a sucessão do Papa, o diretor, Ron Howard, desta vez acerta na dosagem de supense e ação e com isso faz um filme não muito longo e eltrizante até o final. Para terminar digo que Ron Howard soube terminar o filme no auge, isto é, na linguagem coloquial, ele "sai por cima".

Crítica Musical - Kiss: Alive/35

2009-05-16T15:18:00.006-03:00

O público talvez não fizesse jus às expectativas em termos de quantidade (altos preços dos ingressos e véspera de “feriadão”), mas de qualquer forma 17.000 pessoas compareceram à Apoteose. As arquibancadas não foram abertas, o público se aglomerou na pista e proporcionou um bonito visual. Uma enorme estrutura estava montada: 4 telões e armações, sobre as quais estavam posicionados disparadores de fogos de artifício e acionadores de labaredas.

As luzes se apagaram na hora prevista, ao final da discotecagem, veio a célebre frase “You wanted the best, you’ve got the best, the hottest band in the world: KISS!”. Depois disso, a imensa cortina preta que cobria o palco, com o famoso logotipo prateado despencou ao mesmo tempo em que a banda mandava os acordes iniciais de “Deuce”.

A formação atual do grupo inclui os membros fundadores: Gene Simmons (baixo) e Paul Stanley (guitarra base). Completam a banda: Tommy Thayer na guitarra solo e Eric Singer na bateria, ostentando as maquiagens e funções que pertenciam a Ace Frehley e Peter Criss. A primeira parte do show consistiu na homenagem ao clássico álbum duplo ao vivo Kiss Alive!.

A platéia era em grande parte formada por pessoas que nunca tinham tido a oportunidade de ver o Kiss ao vivo. O público cantou junto da banda as letras, desde a abertura com “Deuce” e “Strutter”. Até mesmo as coreografias de Paul, Gene e Tommy retratavam fielmente os anos 70.

“Got To Choose” e “Hotter Than Hell” se seguiram, e ao final desta Gene saiu do palco e retornou com uma espada flamejante e fez seu famoso número de cuspidor de fogo. Depois veio “Nothin’ To Lose” com os vocais de Simmons e Eric Singer e “C’mon And Love Me”, cantada por Paul. Realmente, o som na Apoteose estava muito bom, suficientemente alto para um show de rock, mas sem exageros.

As coisas pesaram com a rápida “Parasite” e a arrastada “She”. Pouco antes, porém, uma chuva começou a massacrar a Apoteose, e uma pequena parte do público se refugiou embaixo das arquibancadas. Paul falou para a platéia que a chuva não ia atrapalhar o show, com isso, a galera começou a sacudir freneticamente para espantar o desconforto do pé-d’água. A seguir veio “Watchin’ You”, cantada por Gene. A seguir veio “100,000 Years”. A versão incluiu solo de bateria de Singer, que levitou envolta por uma cortina de fumaça, uma longa interação de Paul com a platéia e um duelo de voz e guitarra conduzido por Paul e Tommy.

No segmento final desta primeira parte do show, atacaram com “Cold Gin” e “Let Me Go, Rock’n’Roll”. Aqui sutiãs foram arremessados no palco para deleite de Paul. Foi muito engraçado ver 3 sutiãs pendurados na guitarra de Paul. “Black Diamond” incluiu as habituais brincadeiras de Paul de inserir “Stairway To Heaven” (do Led Zeppelin), antes da música. Depois, Tommy Thayer solou ajoelhado no chão, enquanto Gene e Paul faziam movimentos pendulares, seguidos por viradas de bateria que antecedem explosões e fogo.

Por fim, “Rock And Roll All Nite” dá, de forma objetiva, o recado do Kiss: uma festa e deve ser curtida como tal. Uma chuva de papel picado cai nessa hora sobre o palco. O final, catártico, incluiu a esperada quebra da guitarra por Paul.

Após um rápido descanso, o retorno se deu com mais uma série de hits relativos aos anos posteriores ao “Alive”. Veio “Shout It Out Loud”, com vocais alternados de Paul e Gene. Depois veio “Lick It Up”, única do show oriunda da fase desmascarada. A música fez sucesso entre o público mais novo, que a conhecia de cor e salteado. Gene apareceu com seu baixo em formato de machado. Seu solo não incluiu o tradicional vôo, provavelmente por conta da pesada chuva que já tinha passado. Para compensar, Gene cuspiu sangue, truque divertido.

“I Love It Loud” manteve o pique nas alturas, com seu refrão sem letra cantado, como sempre, em uníssono pela audiência. “I Was Made For Lovin’ You” é sempre contagiante, sendo sua versão ao vivo infinitamente superior à original de estúdio, com arranjo dançante.

Os responsáveis pela produção aproveitaram para testar a tirolesa que levaria Paul Stanley a sobrevoar o público durante a música programada para ser tocada em seguida, “Love Gun”. Provavelmente também devido à forte chuva que caiu antes, o vôo foi cancelado e também a música, o que foi uma pena, pois se trata de um clássico.

Emendaram com um grande clássico “Detroit Rock City”, que encerrou com chave de ouro uma noite impecável. A festa se encerrou com uma série de grandes explosões de fogos de artifício, lançados por trás do palco, enquanto a banda se despedia do público, a essa altura extasiado e plenamente satisfeito. (Foto: O Globo)

CineCrítica - X-Men Origens: Wolverine

2009-05-03T00:49:00.007-03:00

Admito que até esperava menos de um filme basicamente de ação, com história alterada da original, de praxe cinematográfica. Os expectadores se deparam com dois "irmãos" bem estranhos, mutantes (figurantes) diversos e um Gambit deveras poderoso. Falando em roubar a cena, fica difícil definir o Top 5 com a cambada de freaks que dão um show de movimentos rápidos e rasteiros, ou soltam puro sarcasmo pela boca. Certas figurinhas conhecidas que fazem pontas como, por exemplo, o cantor Will.I.Am do Black Eyed Peas, no papel de John Wraith, e Ryan Reynolds que interpreta o samurai Wade Wilson, conhecido pelo nome de Deadpool.

A produção foi bastante ambiciosa no quesito efeitos visuais. Tantas cenas, senão mentirosas, muito pouco prováveis que dão vontade de rir. Nos inúmeros momentos explosivos, você lembra de Duro de Matar, Missão Impossível e até de Triplo X.

Por coincidência (rs), já li a HQ que conta sobre as origens do carcaju, e notei algumas adaptações feitas para a película, e que acabaram por aproximar ainda mais os rivais Logan, o Wolverine (Hugh Jackman) e Victor Creed, o Dentes de Sabre (Liev Schreiber) em anos. O background da dupla até lembra um pouco a história do clã MacLeod, da série Highlander.

Crítica Musical - Iron Maiden: Somewhere Back in Time

2009-04-24T22:33:00.020-03:00

É Iron Maiden no Rio, dia de tirar do armário e vestir a camisa da banda. Devido à grande popularidade do Maiden, um bom público, de cerca de 25.000 pessoas, compareceu ao show. A chuva que caiu na véspera e também no próprio dia do show contribuiu para a temperatura amena na Apoteose. Para abrir o show, foi convocada a filha do baixista do Maiden (Steve Harris): Lauren Harris. O show dela iniciou exatamente às 20:30h.

Por volta das 21:30h, também pontualmente, começou a tocar a música “Doctor, Doctor”, do UFO. Os fãs gritaram nessa hora, pois sabiam que o Iron inclui a canção antes de seus shows. Apagaram as luzes novamente, então de repente, os telões começaram a mostrar a banda na estrada e o avião Ed Force One, ao som de “Transylvania”. As imagens são do documentário Flight 666.

Surge então um vídeo preto e branco de Winston Churchill, ex-Primeiro Ministro inglês com seu discurso compelindo os ingleses a lutarem pelo país na 2ª Guerra Mundial, e que antecede a música “Aces High”. Surgiram finalmente no palco os 6 integrantes da banda. É “Aces High”ajudou muito na perda da minha voz ao final do show.

A turnê Somewhere Back In Time presenteou os fãs com um setlist homenageando discos da década de 80. Dessa forma, “Wrathchild”, do 2º disco do grupo, veio a seguir. Já “Two Minutes To Midnight” é um clássico mais recente. A produção como um todo estava impecável com estátuas egípcias (bem anos 80) e um cenário que permitia o deslocamento dos integrantes por mais de um nível.

Um momento especial veio a seguir, com clássicos raramente tocados ao vivo: “Children Of The Damned” e “Phantom Of The Opera”. Os sorrisos estampados nos rostos dos presentes claramente mostraram que aquele era um momento único.

Dickinson trocou o figurino, vestiu sua célebre jaqueta vermelha e, bandeira da Grã-Bretanha aos frangalhos em punho, anunciou a literalmente galopante “The Trooper” para a multidão empolgada. Um pouco mais recente, outro retumbante sucesso foi apresentado, “Wasted Years”, música contagiante que levanta o astral de qualquer pessoa.

Um hino épico veio na seqüência, “The Rime Of The Ancient Mariner”, com os fãs mais aguerridos acompanhando as partes narradas. A ótima “Powerslave”, que a seguiu, foi um dos clímax da noite, com Bruce devidamente caracterizado com uma máscara egípcia. A música fala como as pessoas podem ficar "escravas do poder”.

Para o ritmo não cair: “Run To The Hills” (a eterna batalha do índio com o branco foi bradada pela platéia e por mim, claro) e “Fear Of The Dark” (alguns dizem que ela é comercial, mas “o medo do escuro” contagiou a todos) são escolhas óbvias, com Bruce e o público cantando juntos. A seguir, mais um clássico do grupo, “Hallowed Be Thy Name”. “Iron Maiden” fechou o segmento, de forma impressionante: o túmulo em forma de esfinge posicionado atrás da bateria de McBrain se abriu e surgiu o mascote Eddie como múmia, balançando os braços e "partiu" para o ataque.

O retorno para o bis, começou com “The Number Of The Beast”, o super hit inspirado na obra A profecia. O pique permanecia intacto, com explosões e fogos no palco que aqueciam todo o público. “The Evil That Men Do” trouxe o Eddie futurista da capa de Somewhere In Time, munido de pistola, ele se movimentou pelo palco e simulou um ataque à banda. Para encerrar a noite: “Sanctuary” do 1º disco e a confirmação de que os fãs saíram satisfeitos.

CineCrítica - Watchmen - O Filme

2009-04-11T22:09:00.009-03:00

Felizmente, o projeto, baseado na brilhante história de Alan Moore e nos traços clássicos de Dave Gibbons, foi parar nas mãos de Zack Snyder que o tratou com a fidelidade que seus admiradores exigiam. O ponto central de Watchmen é a iminência de uma guerra nuclear em larga escala entre os Estados Unidos e a União Soviética. A obra é um universo de discussões sociais, morais, artísticas, governamentais... humanas.

A história condensa e alterna passado e presente, com um bombardeio de informações, origens, sub-tramas e imagens. Como a graphic novel, não é para se experimentar uma única vez, pois exige amadurecimento e análise. A equipe de roteiristas também teve suas próprias e inspiradas alterações. São atalhos criados para eliminar tramas paralelas e dar relevância a determinados personagens. O novo final mantém a integridade ideológica de Moore.

Esse filme conta com um excelente elenco com atuações memoráveis (as que mais impressionaram em ordem de importância): Jackie Earle Haley (Rorschach), Jeffrey Dean Morgan (Comediante), Patrick Wilson (Coruja), Matthew Goode (Ozymandias) e Carla Gugino (a 1ª Espectral).

Snyder recria os cenários e figurinos com uma fidelidade obsessiva (ainda bem) e conta com uma produção bem rica. Suas marcas como cineasta ficam restritas às cenas de ação. O diretor não adicionou nenhum momento mais empolgante que não existisse na graphic novel, mas não perdeu a oportunidade de torná-los mais violentos e intensos.

CineCrítica - Jogo entre Ladrões

2009-04-08T22:35:00.006-03:00

Um pequeno furto foi o valor do ingresso cobrado para assistir a esse filme. Do que adianta contratar duas figuras de renome quando a história é batida e o final previsível (mesmo com uma mudança no rítimo do filme)? Não se preocupe, se ficar complicado eles explicarão tudinho para você.

Os ladrões da produção são Ripley (Morgan Freeman) e Jack Monahan (Antonio Bandeiras). Dobradinha que desceu sem gosto, e muito picotada. Na hora de planejar o evento, os indivíduos agem com uma rapidez, sem qualquer manha como em "Onze Homens e um Segredo", película da qual muitos diriam para nem comparar. Reduza o contingente para duas pessoas, retire o segredo, elimine o estilo malandro e cafajeste. O resultado está na tela.

Acredito (posso estar errado) que em ambos casos, não deve ter sido muito difícil interpretar os respectivos papeis. Não há desafios no quesito atuação, talvez somente no físico. Principalmente para o vovô Freeman. Será que para quem já ganhou um Oscar de "Melhor Ator Coadjuvante", só resta se divertir com filminhos batidos?

PS: A primeira vez que eu vi o Bandeiras no poster achei que fosse o Bono Vox. lol

CineCrítica - Sim Senhor

2009-03-29T19:44:00.004-03:00

Jim Carrey enfim, retornou meio enrugado até, aos trejeitos e expressões que o consagraram. Na trama, ele vive Carl Allen, sujeito muito negativo, com uma vida regrada por uma rotina enfadonha e solitária. Ao visitar um estranho curso de auto-ajuda, ele faz um pacto: dizer "sim" a todas as oportunidades que aparecerem. E a vida de Carl imediatamente se transforma.

O diretor Peiton Reed tem uma sensibilidade bem distinta para a comédia. Ele faz com que o filme se torne uma agradável surpresa, mesmo com um roteiro previsível, que parte da velha premissa de mudança de postura perante a vida, mas as piadas são boas e o elenco de apoio é impagável.

A cantora e atriz Zooey Deschanel dá uma palhinha cantando na banda criada para o filme (na minha opinião, bem parecida com a banda brasileira Cansei de ser sexy), além de ter um bom tempo humorístico. Igualmente competente em seu humor está Terrence Stamp, que interpreta o guru de auto-ajuda. Completa a trinca Rhys Darby(uma grata revelação da comédia) que interpreta o chefe de Carrey. O ator simplesmente rouba todas as suas cenas das festinhas que rolam no seu flat.

A competência do elenco e do diretor conseguem equilibrar os trejeitos de Carrey, que ainda agradam aos fãs, fazendo com que Sim Senhor resulte acima da média das comédias americanas e consiga arrecadar uma bela bilheteria. Quem quiser dar algumas gargalhadas e ainda absorver uma boa mensagem de auto-ajuda, ainda que previsível nesse tipo de comédia americana, não pode perder esse filme.

CineCrítica - Operação Valquíria

2009-03-14T11:24:00.011-03:00

Opa, posso ouvir Cruise falando em alemão. Não acredito, que fo....ah não, deixa. Vai ser tudo em inglês mesmo. Ia dar muito trabalho se geral tivesse que aprender alemão para a produção. Afinal de contas, Bryan Singer não é nenhum Mel Gibson.

A Segunda-Guerra é de fato um assunto que fascina. E o filme sério dirigido por Singer (X-Men 1 e 2, Superman Returns) cumpre o papel de recriar o ambiente da tentativa de assassinato do Führer em junho de 1944. Uma das quize tentativas, sem sucesso por sinal (duh). Tom Cruise, o Coronel Claus von Stauffenberg, com, apenas, três dedos (seis a menos que Lula, rs) comandou toda a missão, que chega a dar pena, de nao ter sido completada. Só no time dos conspiradores tem alguns feras incluindo Kenneth Branagh como o ágil General Henning von Treschkow, e Terence Stamp como o honroso Ludwig Beck. Além do "fiél" General Friedrich Fromm, interpretado por Tom Wilkinson. Este foi o terceiro trabalho sobre a história de Stauffenberg, sendo as duas últimas produções alemãs.

Amarrado, dinâmico e cheio de linhas proferidas por personagens de diversas patentes. Não espere uma película sobre a guerra, mas uma trama envolvendo tentativa de assassinato e golpe de estado (apesar de admitir que só de ver e ouvir os exércitos serem reunidos já dá aquela ânsia de guerra ahhh). Basicamente, os conflitos internos alemães se baseiam em uma jornada próxima de atos diplomáticos e com manipulação, tentando alcançar a beira do bom senso para a "Sacred Germany". E não é que o próprio Hitler aparece, ainda sim, prefiro a versão germânica de "A Queda - As Últimas Horas de Hitler". Pareceu-me mais autêntico à figura de Adolf.

CineCrítica - Quem Quer Ser um Milionário?

2009-03-07T23:28:00.010-03:00

Máá oiiiii! Quem quer dinheiro? Você está certo disso? Sim, resposta D: o grande vencedor "Quem Quer Ser um Milionário?" levou 8 oscars e arrebatou mais de dez premiações. Será teoria da conspiração? O Caminho das Índias? Que nada. A (mafiosa) academia indicou produções inapropriadas para competir com o filme que nem é lá "desgraceiro" de verdade.

Digo que mereceu os prêmios de Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Edição e Melhor Fotografia. Explico: uma jornada dinâmica e emocionante que tem como cenário pontos turísticos como o Taj Mahal. Ângulos bem trabalhados de uma câmera que teve momentos que não parava quieta. Tudo bem encaixado, amarrado, uma história de amor de desenrolar leve e dramático. Personagens simples mas não simplistas, o "favelado" Jamal K. Malik (Dev Patel), o irmão mais velho, o líder e mandante Salim, e a companheira, amiga e amada Latika. Trio que cresce e aparece diante das câmeras em três gerações.

Uma união mais que oficial da maior produtora cinematográfica do mundo, Bollywood, com Hollywood. Produção norteamericana com cara de indiana, e uma dancinha afiada nos créditos. Bravo!

Selo Laranja

2009-03-02T23:39:00.003-03:00

Selo indicado pelo colega blogueiro Renan Barreto do blog http://melhoropiniao.blogspot.com/.

Regras

1- Exiba a imagem do selo “Laranja” que vc acabou de ganhar!
2- Poste o link do blog que te indicou.
3- Indique quantos blogs você quiser que você considera criativo.
4- Escrever 4 formas que você usa para expressar sua criatividade.

Meus blogs indicados:

http://brasilstation.blogspot.com/

http://alemdolide.blogspot.com/

http://mentecuca.blogspot.com/

Criatividade a solta:

Quando escrevo o que penso, quando crio um personagem, quando faço um brainstorm com o pessoal, ou na hora de expressar-me visualmente com uma câmera.

CineCrítica - Dúvida

2009-02-23T20:09:00.007-03:00

Perdoe-me padre, pois eu tenho dúvidas! Como definir as interações dramáticas entre o respeitável padre Brendan Flynn (Philip Seymour Hoffman) e a irmã Aloysius Beauvier (Meryl Streep)? Indicada (poderia ter sido premiada)! Sim, os dois atores foram indicados pela academia nas categorias de Melhor Ator Coadjuvante e Melhor Atriz. Quem torceu pela premiação só ficou na vontade. Valeram as cinco indicações, iai! rs

Mas voltando ao filme...

"Dúvida" é um filme de história simples, mas que cresce de forma complexa e elaborada, tudo graças ao diretor e escritor John Patrick Shanley, que também escreveu a peça de mesmo nome. A idéia de produzir algo para o cinema tinha realmente tudo para dar certo, em 2005, a composição dramática levou o prêmio Pulitzer de drama.

Uma guerra entre um padre e uma freira, em que, abaixo dos "tiros", fica agachada a religiosa professora, a irmã James, interpretada por Amy Adams, que reza em seu canto, esperando um cessar fogo. Bem diferente de seu papel na comédia musical "Encantada", como a princesa alegre e incansável Giselle. A atriz também foi indicada na categoria de Melhor Atriz Coadjuvante, fazendo concorrência com uma outra atriz do mesmo filme, Viola Davis, que interpretou a mãe do coroinha Donald Miller (Joseph Foster).

Palmas também para a tensão e dinamicidade dos diálogos do já conhecido Seymour Hoffman e Streep que dispensa comentários (foi agraciada pela academia apenas duas vezes em duas categorias). Apesar de ser um drama, não irão cair lágrimas de seus olhos ao assisti-lo. Não há desgraças, somente uma dúvida que se baseia na mais firme certeza.

CineCrítica - O curioso caso de Benjamin Button

2009-02-19T19:38:00.003-03:00

O Curioso Caso de Benjamin Button, dirigido por David Finch, é a mais nova tentativa bem-sucedida de toda a sua brilhante cinematografia. Trata-se de uma bela fábula; Benjamin Button nasce velho, às portas da morte e doente. No entanto, a cada minuto ele rejuvenesce, numa dramática inversão do ciclo da vida.

No início o filme assombra pelos efeitos. É inacreditável ver o “velho bebê” ou “bebê velho” (como queiram), abandonado na escada de um asilo, com o rosto enrugado de Brad Pitt. Conforme Benjamin começa a balbuciar suas primeiras palavras e levanta-se com o auxílio de muletas, vamos nos acostumando com o corpo senil do personagem, criado através de computação gráfica e efeitos práticos de maquiagem. Enfim, quando Button está pronto para explorar o mundo lá fora estamos dispostos a acompanhá-lo.

O filme parte de uma premissa estranha que dá lugar a uma meditação sobre a mortalidade, a passagem do tempo e o amor, em uma bem amarrada sucessão de eventos históricos vividos pelo protagonista, o que já foi bem explorado em filmes como Forrest Gump.

CineCrítica - O Lutador

2009-02-18T02:10:00.017-03:00

Com ares de um documentário e um orçamento próximo de uma produção independente, o filme "O Lutador" conta a história de um wrestler cinquentão, Randy "The Ram" Robinson (Mickey Rourke), caindo e afundando os pés na melancolia. Com relação a fotografia, já de início, nota-se como a câmera fecha no protagonista e o acompanha como se fosse um dos filmes do Michael Moore.

É interessante ver quando trabalhos como esse, que seguem a linha da decadência e da desgraça, acabam faturando indicações (e até premiações) no oscar, o "aclamado" prêmio da academia (vide Menina de Ouro). Acredito que é o limite, o verdadeiro teste para atores como Marisa Tomei que vive na pele uma stripper de nome Cassidy. Provavelmente, seu maior desafio, expor as carnes quase que por completo, e ainda incorporar o estresse de uma vida normal, fora dos clubes, com um filho de 9 anos. Tanto Tomei, quanto Rourke foram indicados nas categorias de melhor atriz coadjuvante, e melhor ator.

Mickey Rourke, que já foi lutador de boxe por anos, teve uma ligação forte com o papel. O que impressiona mesmo é aquele semblante que porta depois de cada problemão que surge na vida, uma cara de alguém sofrido, mas que continua na luta até o fim de seus dias. Foi o que o ator soube fazer bem, e de graça. Pois é, não recebeu nenhum centavo dos 7 milhões orçados para a produção. E acredita que seria Nicolas Cage que faria seu papel? De fato, seria um estilo completamente diferente.

E há também o mundo esmiuçado dos wrestlers, os que praticam a "Luta Livre". Os "armários" se encontram nos bastidores, lugar onde todo o espetáculo é planejado e até ensaiado. Daí saem manobras e estilos dos persongens que cada um criou. Uma espécie de luta teatral.

CineCrítica - Vicky Cristina Barcelona

2009-02-16T00:14:00.007-03:00

E o charmoso Woody Allen nos envolve: meros expectadores, diante de uma película exótica e caliente de se ver. Só o cenário (Barcelona e adjacências) já cativa seus olhos, e com seus ouvidos pode-se escutar uma narração simpática, que conta exatamente o que deve ser dito, ausentando-se nos momentos certos.

Atuação impecável de Javier Barden na pele do galante e sedutor Juan Antônio, perseguido por duas amigas diferentes (Scarlett Johansson e Rebecca Hall), além de uma ex-mulher maluca, uma porra-louca amável e talentosa interpretada por Penélope Cruz. Misture tudo no liquidificador, o produto é aquela história meio batida (ou ao menos, com alguns elementos batidos), embora deveras bem amarrada. Nada como um spanglês para ilustrar o rítimo doce e agradável, do modo como as coisas vão acontecendo.

A princípio, em uma terra onde se habla español, aquele sotaque peculiar e com nomes como Juan Antônio e Maria Elena, vão haver momentos que você vai lembrar das novelas mexicanas. Acho que é o que o Woody faz. Pega uma história normal, joga pimenta e sal, monta de forma gostosa e molha a tela do cara que está sentado embasbacado na poltrona.

CineCrítica - O Dia em que a Terra Parou

2009-01-14T22:23:00.005-02:00

Estrelas...quem diria, Keanu Reeves (o ator conhecido por seus semblantes frios e fisionomia uniforme) é um alien na refilmagem do longa "O Dia em que a Terra Parou". Logo em um momento em que o meioambiente é alvo de tanta atenção, Klaatu (Reeves), o amigo do planeta Terra, vem conferir os furos que a humanidade tem deixado.

Diante de uma película com imagens tranquilas, sem sustos e certos efeitos visuais, você até poderá dizer: "eu já vi isso no tal desenho", ou "igualzinho naquele filme x". De fato, alguns aspectos estéticos parecem um pouco retrô, mas é um prato satisfatório para os fãs de sci-fi, e ainda aqueles que quiserem conferir a nova versão da produção original de 1951.

Curioso foi o papel do filho de Will Smith, o ator mirim Jaden Smith, que ao longo do filme, cresce e surpreende ao lado dos colegas Reeves e Jennifer Connelly na pele do impetuoso Jacob Benson.

Como se trata de uma refilmagem sobre extraterrestres, espere deja-vus como a tradicional tática "atire antes, pergunte depois" do exército norteamericano, que já não precisa mais provar superior poderio bélico e militar a ninguém (embora, no cinema, ainda insista em faze-lo). Encarar batalhões armados e prontos para atirar em um alien (coitado) já ficou chato, apesar de fazer tempo que não assisto um filme assim. No mais, além do marketing de praxe, fica a crítica sobre como os humanos tratam o planeta (e como os EUA são briguentos quando encontram alguém que não vão com a cara).

CineCrítica - Rede de Mentiras

2009-01-04T21:44:00.008-02:00

Desde 2001, lembro-me que ao final do ano, tanto atores quanto produtores norteamericanos estavam solidários com a causa de não trabalhar mais com temas relacionados ao terrorismo e conflitos envolvendo os povos do Oriente Médio. Claro que foi somente uma formalidade, pois, no ano seguinte, estaríamos assistindo (hehe, na verdade eu não assisti) um filme qualquer, um tal de "Efeito Colateral", estrelado por ninguém menos que o atual Sr. Governador do Estado da Califórnia, Arnold Schwarzenegger. Então, já deu pra sacar que essa produção aborda tais assuntos.

O combo Crowe e DiCaprio é um fênomeno que dá gosto de se ver. São dois que não param de se ligar em todo o drama. Personagens batidos (mas que não deixam de apimentar): de um lado o direto e bomzão Ed Hoffman, o veterano (Russel Crowe), e de outro o amigável e justo Roger Ferris, o agente de campo (Leonardo DiCaprio). Além da briga do "casal" pelos hemisférios leste e oeste, ainda é notável o jogo de contatos e a quebra do romance carnal em nome de uma outra cultura sem ser a deles.

Para não precisar fazer tantos DDIs, vigiar alguns sujeitos e ver quem está fazendo o que, você acaba se deparando com o já tradicional vislumbre do "pequeno" poder de vigilância que os EUA possuem, uma parafernália sem limites. Tudo bem...para quem tem o Google Earth (que NÃO é visualizado em tempo real), já está bom saber onde mora aquele seu vizinho, botar o alfinete na casa de sua namorada, ou descobrir a esfinge através de gráficos bem baixos. rs..

O filme fechou 2008, apesar da resenha ter vindo com um certo delay. rs..

Em nome da equipe Cine & Music desejo a todos os leitores um 2009 de novos erros, acertos e aprendizados!

Crítica musical - Queen + Paul Rodgers

2008-12-06T14:38:00.005-02:00

Na noite do dia 29 de novembro de 2008, num sábado, mais um especial show de rock aconteceu. O show foi na Arena HSBC, na Barra, Rio de Janeiro. Foi realmente especial, pois era a noite da nova grande banda Queen + Paul Rodgers!

Tendo Spike Edney, o “quinto elemento” do Queen, nos teclados, Danny Miranda no baixo, e Jamie Moses na guitarra base, Brian, Roger e Paul Rodgers iniciam um show explosivo, por volta das 22:40h, com os hard rocks “Hammer to fall” e “Tie yor mother down”!!

Depois de “Fat bottomed girls” (com maior duração), “Another one bites the dust” e “I want it all”, é chegado o momento do hit pop-rock “I want to break free”. Brian e Roger mostram que estão em forma, e Paul Rodgers consegue animar o público. São tocadas as músicas próprias do novo projeto “C-lebrity” e “Surf´s up... School´s out”, que são bem legais!

Paul Rodgers não atingiu certas notas agudas de algumas músicas do Queen, mas isso não tem nada a ver com o pensamento errado de algumas pessoas de que ele está ali para substituir Freddie Mercury! Comparações não levam a nada!

A questão é que em relação ao que Paul já foi capaz de cantar (ou que talvez ainda seja capaz de cantar), ele não foi perfeito, mas o timbre da voz de Paul Rodgers é bem agradável, e ele tem carisma; A prova disso foi ele ter cantado “Seagull”, do Bad Company, tocando violão. Foi o momento em que ele fez tudo sozinho, e mandou bem!

O carisma de Brian é evidente quando ele canta sozinho, ao violão, uma das mais emblemáticas e eternas músicas do Queen: “Love of my life”; Ele chega a se emocionar ao final da música! Depois da versão arrasa-quarteirão de “39”, e um ótimo solo de bateria de Roger Taylor (tendo a bateria sido montada por um roadie na frente do palco, peça por peça, enquanto Roger fazia o solo), é a vez do importante baterista mostrar que sempre soube cantar bem, apresentando, com a presença de Brian May, a poderosa “I´m in love with my car”.

Roger também canta “A kind of magic”; Depois 3 músicas do novo grupo são tocadas: “Say it´s not true”, “Feel like making love” e “We believe” (todas ótimas músicas, tendo Paul reassumido os vocais). “Bijou” é cantada por Freddie Mercury, no telão; Em seguida, Brian mostra o que é tocar guitarra com feeling, apresentando a instrumental “Last horizon”.

Roger e Brian cantam “Under pressure”, e Paul canta “Radio ga ga”. Em seguida são tocadas “Crazy little thing called love’, “The show must go on” e “Bohemian Rhapsody”; Essa última foi apoteótica, com Paul cantando junto com Freddie, que estava no telão. Bela homenagem a Freddie!

Todos os músicos saem do palco. Fim de show? Claro que não! Brian May, com camisa do Brasil, e todos os músicos voltam para tocar “Cosmos rocks” (música que vem a ser o nome do disco da nova banda), “All right now”, do Free (foi quando alguém que chegou a invadir o palco foi aplacado pelos seguranças), e pra finalizar com chave de ouro, são tocados os hinos “We will rock you” e “We are the champions”, músicas em que o público se expressou cantando junto a plenos pulmões!

CineCrítica – 007 - Quantum of Solace

2008-12-04T15:14:00.004-02:00

Os cinéfilos, que esperavam algo inovador ou artístico nas mãos do alemão Marc Forster (A Última Ceia, Em Busca da Terra do Nunca, O Caçador de Pipas) podem até mesmo se decepcionar, pois não há nenhuma inovação. Ele inclusive trouxe de volta à série um elemento clássico que tinha ficado de fora do último filme como a vinheta com silhuetas femininas dos créditos iniciais.

Mesmo sendo o filme mais curto da série, não é o menos agitado. Dos rápidos 106 minutos quase todos eles são correndo de um lado para o outro, pulando atrás dos vilões e acelerando seu novo Aston Martin (que ao final da cena de abertura já está aos pedaços). Bond também usa e abusa de sua lábia para levar para a cama a linda e ruiva Strawberry Fields (ah, os nomes das Bond Girls continuam tão deliciosos quanto suas intérpretes).

A história é uma verdadeira volta ao mundo, pois há cenas no Haiti, na Áustria, na Inglaterra e na Bolívia. Por onde passa, o agente do serviço secreto britânico faz valer a sua permissão para matar, deixando um enorme rastro de sangue que pode gerar problemas para ele em sua organização.

Os vilões procurados por 007 são eco-especuladores da Quantum (e porque não dizer eco-terroristas?), atualização da SPECTRE que remetia à Guerra Fria. Além de mostrar esses novos personagens que se aproveitam da histeria ecológica, que é um segmento do mundo dos negócios bem lucrativo, são bem interessantes as visões da CIA e das ditaduras latino-americanas abordadas no filme. Ela mostra que os roteiristas ainda têm ousadia para mostrar um pouco de geopolítica mesmo em um blockbuster clássico como são os filmes de 007.

CineCrítica - Max Payne

2008-12-02T18:50:00.010-02:00

Aproveitando o que o companheiro blogger Renan Barreto disse no comentário do "Queime Depois de Ler", "depois que inventaram a roda com Matrix" fica realmente difícil fazer um trabalho de ação original, principalmente falando sobre o novo filme de Mark Wahlberg. "Max Payne", que veio não de uma HQ, mas de um jogo de computador (que, aliás, chamou bastante atenção na época em que foi lançado) conta a história de um detetive pai de família que jura vingança após a morte da esposa e filha.

Diferente do momento em que o jogo foi lançado (2001, dois anos depois de Matrix), hoje, o bullet time é um efeito visual que já se tornou clichê na telona. O que resta é a história que tem na raíz uma vingança no estilo Kill Bill, e que se envolve em uma perigosa máfia, mais intrincada do que aparenta.

Vê-se, então, muita ação, tiros, e...blá,blá,blá. Um filme que passa batido para qualquer um que não tenha jogado o jogo e esteja cansado do mesmo estilo de película. Caso ainda esteja ávido, sentado na cadeira, em frente ao computador, curioso para assistir as aventuras de Max e Mona Sax (ah sim, Mila Kunis, do That's 70s Show), vá em frente. É bem legalzin...rs

CineCrítica - Queime Depois de Ler

2008-11-10T23:36:00.005-02:00

Com o foco no mundo, o filme começa como uma novela...melhor, uma rede de intrigas. Algo pequeno acontece e as coisas ficam sérias. Personagens bem característicos fazem um misancene em volta de um pequeno ato desleixado. Quando tudo engrossa, ninguém dá mais a mínima.

Admito que, desde o consagrado "Onde os Fracos Não Têm Vez", virei f'ã dos trabalhos e da fotografia dos irmãos Joel e Ethan Coen, que captam uma visão diferente das cenas. Diria fria, talvez peculiar. Com um elenco que reúne Brad Pitt, George Clooney, Frances McDormand, Tilda Swinton e John Malkovich, as tenções e atenções fecham em torno de uma arte de interpretação singular, e muita sofisticação. Três palavras: esquisito, canalha e surpreendente.

Com um roteiro que aparenta ser um pouco picotado, as aparências o enganaram. Até em tal ponto percebe-se o equilíbrio e um estilo por concluir situações. Com o mesmo foco no mundo o dinâmico J.K. Simmons se despede do caso.

Crítica Musical - Metallica - Death Magnetic

2008-11-06T23:00:00.005-02:00

Muitos já acreditam que este novo álbum seja a volta definitiva do Metallica às suas raízes. Fatores como a inclusão da faixa intitulada “The Unforgiven III” realmente mostram a banda tentando resgatar as glórias metálicas de seu passado, mas ainda com toques modernos e um som diferenciado em algumas faixas.

Para a alegria dos fãs mais ortodoxos, músicas mais longas voltam a fazer parte do repertório de um dos ícones do Trash Metal. Porém, a impressão deixada ao decorrer da audição do álbum é de que a banda ainda está caminhando para uma verdadeira volta ao som de seus primórdios, mas isso pode ser considerado uma esperança para tantos fãs desapontados com as mudanças drásticas na sonoridade da banda em seus últimos lançamentos.

O álbum pode ser dividido entre verdadeiras pancadas em forma de som que realmente lembram o antigo Metallica - como as ótimas “The Day That Never Comes”, “The End of The Line” e “My apocalipse” - e baladas mais lentas com um toque de rock alternativo que transmitem certa viagem sonora, cantadas de forma mais “limpa” por James Hetfield, como “The Judas Kiss” e “All Nightmare Long”.

Marcado por um som mais próximo dos tempos áureos do Metallica em grande parte das faixas, ‘Death Magnetic’ demonstra duas faces da banda. A primeira face mostra a vontade de voltar ao passado de forma digna ao mesmo tempo em que a segunda mostra uma preocupação em não fazer um álbum integralmente nostálgico.

Enfim, o Metallica consegue resgatar uma qualidade próxima de seus álbuns clássicos inserindo inovações em seu som, o que parecia uma tentativa constante. Ao ouvir este lançamento, qualquer um que conheça a banda pode perceber que finalmente conseguiram!

CineCrítica - Última Parada 174

2008-11-04T00:51:00.007-02:00

Colaboração de Sandro Tebaldi

Admito que entrei na sala pensando que assistiria mais uma espetacularização banal da violência. Ledo engano. Graças ao roteiro seco de Bráulio Mantovani e a interpretação excepcional do elenco de “não-atores”, com destaque para os “Sandros” protagonistas, Última Parada 174 torna-se um bom filme.

O roteiro trata a violência como “caldo de cultura” para os dramas vividos por seus personagens, não cedendo à tentação dos efeitos visuais e montagens moderninhas. Ao optar por diferenciar, através da fotografia, a ficção da realidade, o filme ganha em veracidade. A dica é correr pra assistir o documentário 174 de José Padilha e comparar com as soluções ficcionais do diretor. Belo acerto na filmografia de Bruno Barreto, que parece até ter recuperado o vigor.

CineCrítica - As Duas Faces da Lei

2008-10-22T12:38:00.006-02:00

Dois policiais coroas de Nova Iorque, que já eram para estar em casa assistindo tv, encontram pistas que levam a um assassino serial. O sujeito tem o hábito de deixar poemas ao lado dos cadáveres de suas vítimas. Os interessantes personagens interpretados por De Niro e Pacino são Thomas Cowan, o líder da dupla que quer fazer justiça a qualquer preço e David Fisk, aquele tira fiél que utiliza como exemplo os atos de seu parceiro.

A produção traça duas linhas, presente e flashes do futuro, parecido com o que aconteceu na última temporada de Lost, portanto, as coisas ficam um pouco complicadas. Vá assistindo o filme que em breve tudo se encaixará (praxe). Quem fica ligado desde o início, percebe que nem tudo é o que parece e que certos atores costumam pegar papéis sob medida. Em critério de imagens, o ritmo da película é bem dinâmico.

Quando se assiste a Al Pacino, fica aquela dúvida se alguma vez teve improvisação. A razão disso são suas falas, que, aliás, não deixam de ser ácidas, e são pronunciadas com uma naturalidade de arrancar sorrisos do público, ainda mais para os coroas presentes na sala.

DVD - Aerosmith - You gotta move

2008-10-20T21:01:00.005-02:00

Em 2006 eu tive o prazer de comprar, ver e ouvir o primeiro DVD de um show da lendária banda de rock Aerosmith. Na verdade, foi uma experiência marcante para mim, pois o Aerosmith, essa grande banda americana com 35 anos de carreira fonográfica (tendo se formado em 1970), é a minha banda favorita.

O nome do DVD, lançado em 2004, é You gotta move. Esse nome é também o título de uma das músicas do último álbum de estúdio da banda: Honkin´on bobo, de 2004. Trata-se de um álbum em que a banda fez releituras de blues clássicos, apresentando uma música própria: “The grind”.

Do show com base nesse último álbum, foi gravado um especial com duas horas de duração que foi ao ar na A&E. O DVD é grande, com um show apresentando quase todos os clássicos da banda, mais cinco canções não incluídas no especial da A&E, comentários dos integrantes do Aerosmith, um CD bônus com seis faixas e ainda o making of de Honkin´on bobo!!

O show começa energético com “Toys in the attic”, música que abre o homônimo álbum clássico de 75. Em seguida é tocada “Love in an elevator” do álbum Pump, de 89.

A banda prossegue detonando com “Cryin´”, “Back in the saddle", do álbum Rocks, de 76, “Draw the line”, de 77, a clássica balada “Dream on”, do primeiro disco, com o nome da banda, de 73, o hit “Jaded” e a balada do filme Armageddon “I don´t want to miss a thing”, de 98.

Obviamente, não poderiam faltar os clássicos “Sweet emotion” e “Walk this way”, do álbum Toys in the attic. O show ainda apresenta “Fever”, “Rats in the cellar”, “Last child”, “Livin´on the edge” e “Same old song and dance”.

Senti falta das importantes músicas “Eat the rich” e “Janie´s got a gun”, mas de qualquer forma, Steven Tyler (vocal e gaita), Joe Perry (guitarra), Brad Whitford (guitarra), Tom Hamilton (baixo) e Joey Kramer (bateria) destroem nesse DVD! Steven Tyler (que sempre foi ótimo vocalista), mostra que, atualmente, é um dos maiores cantores do planeta.

Embora o DVD You gotta move não apresente legendas em português, ele é altamente recomendável para quem deseja saber como é o Aerosmith ao vivo.

CineCrítica - Rio Mix Festival

2008-10-18T18:28:00.005-03:00

No dia 04/10, mais especificamente no Teatro Popular de Niterói, rolou o Rio Mix Festival e como dizia o ingresso era um festival bem familiar: só tem brother. Bem, brincadeiras à parte, o festival que contou com as apresentações de Marcelo D2, Natiruts e O Rappa, que se apresentaram nessa ordem, conseguiu reunir um público bem diversificado e numeroso (cerca de 15000 pessoas).

O show começou com Marcelo D2 com sua mistura característica de samba com hip hop em músicas como: "1967", "Desabafo", "Qual é" e "O gueto". O Planet Hemp também foi lembrado por D2: "Mantenha o respeito" e "Ex-quadrilha da fumaça" foram exemplos de músicas da época que D2 vendia camisas de rock na Cinelândia.

Depois veio Natiruts com um legítimo reggae brasileiro. O grupo que se chamava Nativus nos anos 90 tocou os hits dessa fase: "Liberdade pra dentro da cabeça" e "Presente de beija-flor". Além delas outras músicas foram tocadas como, por exemplo, "Reggae power", "Andei só" e "Quero ser feliz também".

O grupo de rock Rappa fechou a noite e mandou ver com "Pescador de ilusões", "Mar de gente", "O homem amarelo", "O que sobrou do céu", "Rodo cotidiano", "Monstro invisível", "Me deixa" e "Hey Joe". Esse show do Rappa com suas letras muito bem elaboradas (muitas com o tema miséria) pode ter servido de alerta para que o público que compareceu ao evento não desperdice o voto, votando em políticos incompetentes e safados.

CineCrítica - Sparrow

2008-10-12T23:07:00.006-03:00

Em “Sparrow” (na hora lembra um certo capitão, rs), uma gangue de Hong Kong, formada por quatro irmãos batedores de carteiras, depara-se com uma bela mulher que é forçada a viver como esposa de um poderoso gangster.

Quem assiste nota que as imagens demonstram estilo próprio na linguagem do filme, irreverência entre alguns personagens, fotografia simpática e trilha agradável, no estilo antena um. Aquele tipo de filme leve e interessante que você pode assistir a qualquer hora.

É bem engraçado quando assistimos filmes de nacionalidades dos quais não estamos familiarizados e sempre achamos se tratar de um trabalho excêntrico. "Sparrow" é esse tipo de película. Você sai da sala com aquela cara de pseudo-intelectual, acreditando que produziram um filme “doido” na China. Na verdade, quando se está falando de cultura a coisa fica menos simples, pelo fato de não conhecermos as produções padrões que estão sendo desenvolvidas em outros países.

CineCrítica - Ensaio Sobre a Cegueira

2008-10-09T12:45:00.004-03:00

Colaboração de Sandro Tebaldi

Mais do que um simples filme, Ensaio sobre a cegueira é um tratado sobre a solidariedade humana em um mundo dominado pelo egoísmo.

Sob o ponto de vista cinematográfico, destaque para a fotografia super exposta e leitosa de Charlone, capaz de transformar a cegueira em um narrador-personagem. Trilha sonora minimalista e sob medida. Elenco e direção afinadíssimos. Tudo preciso, montagem, roteiro, etc, mas não quero tratar de aspectos técnicos. Quero comentar uma função cada vez mais rara da arte cinematográfica: a reflexão.

O Cinema muitas vezes nos ajuda em reflexões morais. Serve de espelho. E neste caso, a imagem que nos surge não nos parece bela. Estamos cegos! Constatação incômoda que gruda em nossos olhos ao assistirmos o filme, ou ensaio. Cegos pelo excesso! Cegos de tanto ver, sem no entanto, enxergar. Com a enorme quantidade de filmes de entretenimento fácil que encontramos, é uma dádiva ainda encontrarmos produções que privilegiam a arte cinematográfica em busca de uma evolução humana. Pena que a sala não tinha mais do que 20 testemunhas, na sala ao lado, a sessão de Hellboy estava lotada!

CineCrítica - Zohan - O Agente Bom de Corte

2008-09-29T11:13:00.005-03:00

Zohan (Sandler) é um agente israelense que curte férias numa praia quando é recrutado para uma nova missão.No quartel, ele fica sabendo que Fantasma (John Torturro), terrorista palestino que ele capturou, foi trocado por reféns do seu país e ele deve ir atrás dele de novo. A questão é que Zohan nutre secretamente o sonho de cortar cabelos como o seu ídolo, o "hair-designer" Paul Mitchell. Então ele forja sua morte e foge para Nova York, longe daquela guerra sem fim.

A comédia tem um certo teor político ao criticar o eterno conflito entre palestinos e israelenses. Ela inclusive cita o bairro do Brooklyn, local onde os grupos co-habitam harmoniosamente. Nestes momentos em que o texto sobrepõe-se às piadas explícitas sobre sexo é que surgem seqüências muito engraçadas e inteligentes, como o disque-hezbollah e a tentativa de um advogado em negociar com um comerciante árabe.

Pena que são tão poucos e acabam ficando soterrados pelo pastelão, principalmente os que acontecem no salão comandado por Dalia (Emmanuelle Chriqui). Enfim, ao querer agradar a todos os públicos, o filme desistiu de seguir um caminho interessante que seguia: a crítica da guerra e a defesa da convivência pacífica entre os seres humanos.

CineCrítica - Trovão Tropical

2008-09-17T13:58:00.016-03:00

Admito que quando fui ao cinema assistir ao filme não tinha nenhuma expectativa, apesar de ter a comédia como um dos meus gêneros favoritos. Tudo o que sabia era sobre o teor cômico e inovador do filme descrito pelo revista Veja há mais de um mês. De fato, o filme surpreende, tanto do início, quando você se pergunta se o filme já começou, durante com partipações inesperadas que roubam a cena, quanto o final, com mais risadas incentivadas pela atuação de Tom Cruise, que aliás, parece que se descobriu no gênero.

Ben Stiller dirigiu e atuou como Tugg Speedman, um ator de Hollywood que está a beira de uma crise na carreira. Através de uma nova superprodução baseada no livro escrito por um veterano da guerra do Vietnã (Nick Nolte). No original Tropic Thunder foi dirigido (no filme) por Damien Cockburn (Steve Coogan). Speedman, que, aliás, tem como agente Rick Peck (Matthew McConaughey), acaba divindo cenas com os atores consagrados Jeff Portnoy (Jack Black) e o "premiado pela academia" Kirk Lazarus (Robert Downey Jr), e mais o badalado rapper Alpa Chino (Brandon T. Jackson). Devido a algumas falhas na produção e outros problemas com o chefe gorducho responsável pelo estúdio Les Grossman (Cruise), o trabalho é alterado na idealização e termina por virar um "cinema realidade".

No mais, o filme lembra um pouco o espiríto pateta de Os Trapalhões, aventurando-se por uma floresta desconhecida e pintando piada por todos os lados. Vale também dizer que se trata da comédia com o maior número de atores de peso do ano.

CineCrítica - Fim dos tempos

2008-08-08T22:08:00.003-03:00

Nada demais... “Fim dos tempos”, do cineasta M. Night Shyamalan, não chega nem perto do impacto de seus filmes anteriores como “Sexto sentido”, de 99 e “Sinais”, de 2003, que exploram o tema ciência versus fé.

O cineasta que soube explorar também o tema realidade versus imaginação em filmes anteriores como “Corpo fechado”, “A vila” e “A dama na água”, desaponta com os suicidas de “Fim dos tempos”.

O filme, que tem como cenário inicial Nova York, Central Park, expõe uma crise ambiental que força a humanidade a combater a natureza para sobreviver. A crise é iniciada por uma suposta toxina invisível que chega com o vento e induz as pessoas ao suicídio, pois faz com que o cérebro humano perca o senso de auto preservação. Chega-se a cogitar a possibilidade de ataque terrorista.

Sendo assim, as pessoas fogem dos lugares afetados, que no caso são algumas das principais cidades americanas, de forma que o filme é quase o tempo todo pessoas fugindo ou se suicidando. Quase...

O que salva um pouco o filme é o fato de ele ser também uma história de amor. Elliot Moore (Mark Wahlberg) é um professor de Ciências de um colégio da Filadélfia que atravessa uma crise conjugal com sua bela esposa, Alma (Zooey Deschanel). Desde o início do filme, sabe-se que ela flerta com o adultério, embora o ame, e ele acredita no casamento. A relação dos dois será testada diante de um acontecimento maior e mais sério. Isso acaba por os unir.

Eles seguem em direção às fazendas da Pennsylvania, onde esperam estar fora do alcance dos ataques. Logo fica claro que ninguém está a salvo em nenhum lugar. Esse fenômeno aterrorizante e invisível parece não poder ser vencido. Mas não podemos esquecer que o filme é também uma história de amor...

É fato que Mark Wahlberg está ótimo no papel do cara calmo e apaixonado e Zooey Deschanel chama atenção com sua beleza.

“Fim dos tempos” é pelo menos um bom filme B, como o próprio cineasta revela, com produção de orçamento relativamente baixo. Basta ver o filme sem pensar em “O sexto sentido” ou “Sinais”.

CineCrítica - A Múmia - Tumba do Imperador Dragão

2008-08-08T15:57:00.007-03:00

Tente imaginar um filme de "porrada" de Jet Li, acrescente Brendan Fraser e a atração pelas múmias, e um roteiro escrito por ninguém menos que a dupla (Alfred Cough e Miles Millar) que escrevia a tal série teen Smallville (aquela que o Super-Homem é um jovem de Kansas, enfrenta um bando de "freaks" e ainda conhece sua futura esposa já na quarta temporada). Pronto, este é o filme que você vai assistir!

A história é simples e contada de uma forma bem fácil, pra entender...direitinho. O imperador dragão (Li) foi amaldiçoado pela feiticeira Zi Juan (Michelle Yeoh), fazendo com que ele e seu exército de dez mil cabeças fiquem petrificados. Dois mil anos depois, a tumba foi descoberta pelo filho (Luke Ford) do casal Rick (Fraser) e Evelyn O’Connell (Marial Bello, que aliás, notavelmente não se manteve na altura de Rachel Weiz em combinar o bom humor sofisticado com algumas cenas de ação), que vão para a China para, apenas, entregar o artefato que reviveria o imperador. Precisa dizer mais?

O interessante só é ver o quanto de poder que essa múmia se apossa, sendo definitivamente a mais poderosa dos três filmes. Acho que seria melhor esperar uns quatro anos para que a película caia na Sessão da Tarde, isso se a Tela Quente for suficiente para cada um que não tiver que trabalhar no dia seguinte, no ano de 2011.

CineCrítica - Batman - O Cavaleiro da Trevas

2008-08-01T12:53:00.003-03:00

Esse filme definitivamente não parece um filme de super-herói comum que usa e abusa de situações fantasiosas, e sim uma retratação do mundo real, ou seja, cheio de corrupção, gente falsa e gananciosa e bandidos psicopatas. A diferença é que nesse mundo há uma pessoa com vontade, garra e dinheiro suficientes para virar o jogo: o cavaleiro das trevas.

Por causa disso tudo, esse filme joga uma pá de cal sobre o último filme de Joel Schumacher. É interessante perceber como um amadurecido Batman se tornou uma esperança para a população de Gotham City que inclusive inspira pessoas destreinadas a combater o crime na cidade e os criminosos a se organizarem com o objetivo de destruí-lo.

Não sei de que jeito, mas precisavam botar o nome do Coringa no nome do filme. O trabalho de Heath Ledger está simplesmente fantástico, pois com o seu jeito de andar, falar e agir, ele consegue exibir um personagem totalmente insano, impiedoso e anarquista, resumindo um agente do caos. Com certeza, merece ser condecorado com Oscar.

Os outros atores do filme provam que também são competentes, sendo assim temos uma chuva de boas atuações, com destaque para o Harvey Dent de Aaron Eckhart, o Lucius Fox de Morgan Freeman, o Tenente Jim Gordon de Gary Oldman, o Alfred de Michel Caine e o Bruce Wayne/Batman de Christian Bale.

Há diversas cenas empolgantes no filme de duas horas e meia como a sequência no trânsito, a cena do hospital e o clímax de uma hora que rola no final do filme. E realmente Christopher Nolan não deixa a peteca cair, usando efeitos especiais apenas onde é estritamente necessário e usando e abusando de explosões e takes únicos que não permitiam segundas tomadas, o que só ajuda a tornar o filme ainda mais realista.

CineCrítica - Agente 86

2008-07-07T12:52:00.005-03:00

Max Smart (Steve Carell) é um analista da organização CONTROLE, que após um ataque a sede, é promovido a agente de campo número 86. Junto da agente 99 (Anne Hathaway), os dois são enviados para desvendar os planos da organização terrorista de nome KAOS.

Carell está pândego (rs). O humor que o ex-Virgem de 40 Anos transmite já é conhecido. Histérico, sarcástico e dissimulado. Fora as tiradas verbais, o bom humor visual do consultor Mel Brooks se encontra presente em algumas partes do filme.

São 80 milhões de dólares divididos em 110 minutos, e uma tentativa, digamos...simpática, de recriar, de forma contemporânea (uma moda já antiga), a antiga série de sucesso dos anos 60. Detalhe para a participação especial de Bill Murray, que sempre arranca risos e sorrisos, apenas, com seu semblante canalha e suas situações "fatídicas".

CineCrítica - O Incrível Hulk

2008-07-06T13:54:00.003-03:00

O novo filme do Hulk surpreendeu a crítica com uma atuação destacada dos atores Edward Norton (Bruce Banner, o Hulk), que atuou também como co-roteirista, e Tim Roth (Emil Blonsky, o Abominável). Esse filme entra em choque com o precurssor e incompreendido longa do "verdão" de 2003, dirigido por Ang Lee. Sendo assim, se trata de um filme de entretenimento palatável, mas muito menos ousado que o do criador de O Tigre e O Dragão.

O início foi um pouco confuso com uma edição repleta de cortes muito rápidos e que não ajudam a explicar direito o surgimento do monstro, para aqueles que não estão por dentro do mundo das HQ's. No filme, não faltaram inúmeras homenagens ao rico universo das histórias do golias esmeralda como a clássica frase "Hulk esmaga" e a aparição rápida das clássicas calças roxas do personagem.

Além disso, houve um desenvolvimento interessante dos personagens Bruce Banner e Emil Blonsky, o que dizem ter sido influência de Edward Norton que queria um filme parecido com a tele-série do personagem que marcou os anos 80. Há também cenas de forte adrenalina com o gigante verde simplesmente detonando qualquer coisa que aparecesse na sua frente, o que diga-se de passagem, vale um elogio para o pessoal responsável pelos efeitos especiais.

As cenas gravadas no Rio de Janeiro também foram interessantes, mas não explicam como Banner foi parar no Rio, embora no final do filme de 2003, ele, aparentemente, tenha se escondido no Brasil. Para o público que for assistir o filme: não se incomodem com os saltos gigantescos do Hulk que ferem o bom senso de um atlas.

CineCrítica - Zodíaco

2008-06-13T18:37:00.007-03:00

Imagine uma chuva de informações que envolva uma investigação de mais de três décadas. Em "Zodíaco", um assassino provoca terror em São Francisco, no final dos anos 60, quando envia cartas às redações dos jornais, assumindo os assassinatos e propondo enigmas para que os jornalistas possam decifrar. Lembrando que este já é o terceiro trabalho que aborda o assassino que ficou conhecido pelos símbolos que deixava nas cartas. Se você é de chegar de "para-quedas" quando as coisas ficam complicadas ou rápidas demais, vai precisar pausar o aparelho e apertar algumas vezes o rewind.

Protagonista na maior parte do longo filme, o cartunista Robert Graysmith (Jake Gyllenhaal) acompanha e tenta desvendar o mistério, ao lado do curioso repórter Paul Avery (Robert Downey Jr.) até mais de uma década após os acontecimentos, tornando o caso uma obsessão pessoal. A película que foi baseada em fatos reais, ainda conta com a participação dos inspetores David Toschi (Mark Rufallo) e William Armstrong (Anthony Edwards), que aliás, traçam uma cansativa investigação.

Detalhe: Para quem chegou a jogar GTA 2, talvez se depare com uma cena que se assemelhe muito com o ângulo de visão do jogo. Vide: Táxi.

CineCrítica - O Melhor Amigo da Noiva

2008-06-13T17:57:00.004-03:00

Mais um filme que me agradou, mesmo não sendo um filme de ação ou ficção científica, mas uma comédia romântica, foi “O melhor amigo da noiva”. Na minha visão, esse estilo de filme é mais apropriado para assistir com a namorada, mas vê-lo com os amigos e rir um pouco também é legal.

“O melhor amigo da noiva” conta a história de Tom (Patrick Dempsey), que tem uma vida boa, sendo bem sucedido e tendo sorte com as mulheres, sabendo que sempre pode contar com Hannah (Michelle Monaghan), sua bela melhor amiga que está sempre presente na sua vida.

Mas Hannah viaja para a Escócia durante seis semanas, e Tom percebe o quanto a sua vida fica vazia sem ela. Ele conversa com seus engraçados amigos do basquete sobre a questão, e decide pedir Hannah em casamento assim que ela chegar...

No entanto, ele se frustra com o fato de ela ficar noiva de um rico escocês, voltando com ele a tiracolo e planejando viver com ele na Escócia. Pra piorar, ela convida Tom para ser a principal “madrinha” dela...

Ele aceita o papel apenas para tentar convencê-la de que a ama e impedir o casamento. É aí que o filme fica mais interessante e engraçado.
É fato que o filme apresenta alguns clichês de filmes do estilo, mas sem dúvida, é uma boa diversão.

Direção: Paul Weiland
Roteiro: Adam Sztykiel, Deborah Kaplan, Harry Elfont
Elenco: Patrick Dempsey, Michelle Monaghan, Busy Philipps, Kevin McKidd, Kelly Carlson, Sydney Pollack, Kathleen Quinlan, Beau Garret.

CineCrítica - A Lenda de Beowulf

2008-06-13T00:07:00.004-03:00

Um grande mal assola um reino e apenas um homem pode acabar com ele: Beowulf. Pois é se o roteiro não apresenta nenhuma novidade, a narrativa é boa o tempo todo, sem momentos mornos e com cenas de ação excelentes. A luta final, que coloca o herói Beowulf contra um dragão é linda e emocionante. Já que falamos na beleza, o visual também é digno de nota.

A Lenda de Beowulf é uma animação em computação gráfica, com designs bem realistas. Embora a direção de arte seja sempre primorosa, muitas vezes a técnica se mostra um tanto irregular. Em alguns momentos, você poderá jurar que está vendo um filme "em carne e osso". No entanto, às vezes a película fica mais artificial do que videogame. Esse conflito no visual acaba por cansar algumas vezes a visão dos espectadores. Beowulf definitivamente não é um filme para crianças, já que possui várias cenas de violência explícita, até com tripas, e muitas referências sexuais podriam incomodar os mais puritanos. No final das contas, A Lenda de Beowulf é um bom filme, porém sem grandes novidades.

CineCrítica - Indiana Jones e a Última Cruzada

2008-06-12T22:30:00.011-03:00

Em Indiana Jones e a Última Cruzada, o objeto de desejo do arqueólogo Indiana (Harrison Ford) é o Santo Graal, cálice usado por Jesus Cristo na Última Ceia. O cálice era a obsessão de seu pai, Professor Henry Jones (Sean Connery), que desapareceu durante uma investigação do paradeiro do tesouro. Indiana começa a seguir pistas deixadas por seu pai na esperança de encontrá-lo para depois juntos procurar uma das maiores descobertas da humanidade. No entanto, os nazistas também estão no encalço do Graal já que, segundo a lenda, quem beber do cálice, ganhará a vida eterna.

É notório que quando se junta Indiana Jones e nazistas, temos seqüências de ação de tirar o fôlego. Os efeitos especiais são bem feitos e superam alguns filmes recentes nesse quesito. Cenas como a de Indiana Jones enfrentando um tanque de guerra e a dos três desafios para chegar ao cálice são inesquecíveis. A franquia ganha muito em humor com o acréscimo de Sean Connery como o pai de Indiana. Seu personagem não se abala e sempre rouba a cena com uma ótima tirada. E a química entre os Jones é perfeita, com o filho, sempre buscando chamar a atenção de seu pai que ainda o trata como criança, chamando-o de Júnior.

CineCrítica - O Reino

2008-06-09T20:21:00.004-03:00

Definiria "O Reino" como um filme de três fases. A primeira parte do filme, pela fluência de informações tão dinâmica, classifico como a parte documentário. A segunda lembra um pouco CSI, só que em um território estrangeiro. O filme, então, fecha a terceira fatia com muita ação, lembrando, um pouco, a adrenalina de "Tropa de Elite".

A história é interessante pelo fato de ser atual. No oriente médio, funcionários ocidentais de uma petrolífera são atacados por terroristas que espalham o terror, atirando com metralhadoras nas famílias, ou se explodindo junto com os civis. A operação foi planejada e os terroristas estavam disfarçados. Após o ocorrido, funcionários do FBI, entre eles os agentes especiais Ronal Fleury (Jamie Foxx), Grant Sykes (Chris Cooper), Janet Meyes (Jennifer Garner) e Adam Leavitt (Jason Bateman), conseguem embarcar em um avião fretado direto para a Arábia Saudita, no intuito de investigar o caso e encontrar o culpado a qualquer preço.

Interessante saber que para fazer um filme assim, parte do elenco teve de passar por um treinamento que envolveu rifles leves e automáticos, antes das filmagens começarem. E ainda, a simpática Jennifer Garner desmaiou duas vezes durante as filmagens. Motivo? Alta temperatura do lugar, passando dos 45 graus celsius. Ê calor!

CineCrítica - Efeito Dominó

2008-06-09T17:00:00.005-03:00

O filme me surpreendeu por se tratar de um algo muito bem amarrado e com boas atuações. Com isso, o que poderia ser apenas mais uma película sobre assaltos, se torna um suspense bem interessante. E o melhor de tudo é inspirado em fatos reais, mas não segue muito à risca, já que o roteiro mescla diferentes momentos históricos.

O filme situado no ano de 1971, conta a história de um bando de ladrões mequetrefes que resolve executar um plano ambicioso: roubar os cofres pessoais do Baker Street britânico durante o fim de semana.

O bando de assaltantes desleixados não sabe absolutamente nada de roubo de bancos, o que traz para o filme algum alívio cômico, não descambando para a comédia. A partir desse pano de fundo, vemos uma trama com suspense do início ao fim e com ótimo desenvolvimento de personagens. Não é um filme inesquecível, mas estamos falando de um ótimo divertimento para adultos.

CineCrítica - Os Reis da Rua

2008-06-08T19:28:00.006-03:00

Polêmico e com um elenco de primeira "Os reis da rua" trata de um assunto atual e bastante conhecido pelo brasileiro: a corrupção dentro da polícia.

Tom Ludlow (Keanu Reeves) é um policial honesto que sofre a perda da esposa adultera e, por isso, busca em seu trabalho e bebida uma forma de esquecer sua tristeza. Por causa da forma como combate o crime, Tom sempre é selecionado para operações de alto risco que para conseguir penetrar até os criminosos necessita infringir as leis e ser extremamente violento.

Por isso ele começa a ser investigado pelo capitão James Biggs (Hugh Laurie) a partir da suposta
denúncia de seu ex-parceiro, tenente Terrence Washington (Terry Crews). Quando tenta resolver esta situação com teu amigo, Ludlow presencia o seu assassinato, porém, pelo seu envolvimento, o chefe de seu departamento, capitão Jack Wander (Forest Whitaker), arquiva o caso para acobertar teu amigo Tom.

Indignado com a situação Tom parte para fazer justiça com as próprias mãos. Juntamente com Paul Diskant (Chris Evans) o detetive descobre que mexe com forças muito maiores que apenas
criminosos.

Para quem espera relaxar com sua namorada esquecerá o teu par e não parará em seu lugar com tantas surpresas. As fortes cenas de ação são marcas registradas do diretor David Ayer também roteirista de "S.W.A.T.", "Dia de Treinamento" e "Velozes e Furiosos".

Já a corrupção e o suspense está presente nas obras do escritor James Ellroy, autor de "Los Angeles - Cidade Proibida" e "Dália Negra" que faz refletirmos sobre em que e quem confiarmos, até na segurança pública.

Com ótimas atuações de Keanu Reeves e Forest Whitaker(ganhador do oscar), eletrizante do início ao fim, imprevisível e cheio de ação como um suspense policial deve ser. Vale a pena pena conferir "Os Reis da Rua".

CineCrítica - Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal

2008-06-06T19:28:00.006-03:00

Indiana Jones (Harisson ford) mais uma vez encara as catacumbas e mexe "com uma galerinha da pesada" (Sessão da Tarde lol). O arqueólogo bem que tenta lecionar na faculdade, mas desta vez, os soviéticos estão na cola. Para quem não prestou atenção no cast, surpreende-se com a agente Irina Spalko, interpretada pela versátil Cate Blanchet. A primeira Indiana-Girl está de volta, Marion Ravenwood (Karen Allen) se apresenta no meio de mais uma tremenda aventura juntamente com o filho Mutt Willians (Shia LaBeouf). Até que parece que grande parte do filme se passa na Amazônia, na realidade as cenas foram filmadas no Havaí.

Na direção está ninguém menos que Steven Spielberg, que dispensa comentários, ao lado de George Lucas que escreveu o corrido, mas interessante roteiro. Acredito que para quem é fã de verdade, vai adorar os traços característicos como as passagens pelos mapas, e as caras cenas de ação, que permanecem no nível dos outros filmes. Obviamente, há elementos modernos, como o final que é uma mistura cara com um conceito visual meio retrô.

Muitos espectadores clamaram pelo ar da graça de Sean Connery, no entanto, a firme aposentadoria falou mais alto.

Outro detalhe interessante foi a grande vontade de Shia LaBeouf de participar desta produção de apenas, 125 milhões de dólares. O jovem ator que tem estourado em vários filmes nos últimos anos, assinou o contrato sem nem ao menos lê-lo. Sem mistério, a franquia foi tão adorada por muitos, que pode ser equiparada, em números de bilheteria, com alguns filmes do agente 007, do sombrio Darth Vader e do fotógrafo Peter Parker.

CineCrítica - O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford

2008-06-02T12:32:00.006-03:00

É um filme bastante interessante pelo ponto de vista histórico. O roteirista narra de forma dramática o fim de um dos mais famosos criminosos de todos os tempos: Jesse James. Protagonizado por Brad Pitt, o filme mostra o último assalto, mal sucedido, do bando de Jesse James e, a partir daí, descreve a tua decadência.

Jesse começa a se sentir perseguido quando descobre que alguns de seus comparsas planejavam entregá-lo a polícia para receberem a recompensa.

Cansado de mudar-se de moradia, sai à procura de seus parceiros para ficar próximo a eles e realizar um assalto que os deixará em uma situação tranqüila para suas vidas.

Robert Ford é um grande fã de Jesse desde criança, quando lia suas estórias e aventuras. Torna-se comparsa de Jesse e se vê ameaçado como os outros quando Jesse o procura novamente. Quando percebe que iria ser morto por Jesse, Ford se aproveita de um descuido para pegar sua arma e atirar-lhe pelas costas.

Após o assassinato, percebemos como, desde aquela época, os grande criminosos eram mais famosos que as grandes autoridades, vistos pelos seus feitos e atos de "heroísmo", exatamente como atualmente.

Pois Robert Ford, o assassino de Jesse James, é taxado de covarde e cai no anonimato sendo desprezado por todos, quando na realidade Jesse o condenou a isso.

Jesse se conformou com a morte quando descobriu a mentira de seus parceiros e como não achava digno o suicídio deixou a tua arma propositadamente no sofá de sua sala para Robert Ford. Virou-se para não enxergar a "punhalada" que estava prestes a levar. Seguiu em direção ao quadro e disse: "Este quadro está empoeirado". Pegou o espanador e ao subir na cadeira começando a limpá-lo enxergou o reflexo de Ford com a tua arma em suas mãos apontando para tua cabeça. Abaixou a cabeça para não ver o momento de sua morte e conformado foi baleado na nuca caindo desfalecido no canto da sala. Sua esposa ainda tentou reanimá-lo, porém em vão.

Então, Jesse sabia que iria ser morto e já havia se conformado com isso. Não foi covardia o que Robert fez, apenas defendeu-se e, ao mesmo tempo, executou o único serviço que Jesse queria mas não conseguiria realizar. Porém foi a maldição que Jesse deixou a ele e à seu irmão. Não os matou, mas fez pior, fez eles viverem com remorço, com sentimento de culpa e odiado pelo povo. O que os levou à morte lenta, pior que a morte por um tiro certeiro que sairia da arma de Jesse James.

O corpo de Jesse foi exibido a milhões de pessoas nos Estados Unidos, colocado em um recipiente com muito gelo para conservação. Todos tiraram fotos para recordção daquele que até hoje é, sem dúvidas, o maior criminoso que os Estados Unidos já conheceram em todos os tempos.

Este filme merece essa descrição porque é um filme rico em detalhes, como se a narração fosse tirada de um livro. Apesar do filme ser longo e maçante, o drama colocado em seu roteiro lhe prende até o fim para saber o que acontecerá com Jesse e teu assassino. Faz, a cada cena, a tua imginação voar.

Para quem espera um ótimo filme de ação encontrará uma ótima história com um drama sensacional.

CineCrítica - Quebrando a Banca

2008-05-30T19:45:00.005-03:00

Um filme de ótimo roteiro e que prende a atenção da platéia, que eu gostei bastante é o filme Quebrando a banca, dirigido por Robert Luketic.

O filme teve um custo de produção orçado em US$ 35 milhões, e arrecadou somente em seu final de semana de estréia, mais de US$ 24 milhões , não abandonando, desde então o ranking das 10 melhores bilheterias.

Baseado em fatos reais, Quebrando a banca trata de um golpe dado em cassinos de Las Vegas por um grupo de estudantes do Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT).

O personagem principal da história é Ben Campbell (Jim Surgess), que terminando seu curso no MIT, precisa de 300 mil dólares para pagar a faculdade de Medicina de Harvard, quando é recrutado pelo professor Micky Rosa (Kevin Spacey) para fazer parte da equipe de estudantes craques em 21 (Black Jack).

Ben Campbell se destaca, pois é muito bom em matemática. Ele demora, no entanto, a aceitar a proposta.

O golpe que o grupo aplica não é ilegal, mas nem por isso os donos de cassinos vão deixar que eles quebrem as bancas impunemente, perdendo grande quantia de dinheiro.

Os estudantes se disfarçam como pequenos apostadores e se posicionam nas mesas de jogo contando sempre as cartas, esperando a hora em que o baralho fique “quente”, ou seja, a hora certa para ganhar tudo.

Coisa imprevisíveis acontecem no filme, que é também engraçado em alguns momentos. Elenco: Jim Sturgess, Kevin Spacey, Kate Bosworth, Aaron Yoo, Liza Lapira, Jacob Pitts e Laurence Fishburne

Além da Crítica - Minority Report

2008-05-30T19:29:00.003-03:00

Após assistir ao filme Minority Report é importante ressaltar os aspectos sociais daquele futuro sombrio. Dois dos aspectos mais marcantes mostrados no filme foram questões como violência e desigualdade social. Para muitos a violência seria uma conseqüência da desigualdade. A fim de deixar o artigo mais rico elas serão discutidas separadamente.

O filme aposta num futuro realista onde a desigualdade e a segregação aumentaram junto com a evolução tecnológica. É isso que acontece quando não há uma melhor distribuição dos benefícios tecnológicos. Essa má distribuição das riquezas da humanidade gera os flagelos que voltarão a incomodar no futuro como a fome e principalmente a violência.

Os Estados Unidos, particularmente Washington, onde se passa o filme, continua um verdadeiro caldeirão cultural. Essas outras culturas continuam assim como hoje marginalizadas e vivem em verdadeiros guetos que nada tem a dever a Chinatown e Brooklin. Nessas cenas mostra-se que a moderna tecnologia ainda está longe do alcance do povo. Suas casas são muito parecidas com as de classe média e baixa da atualidade, bem diferente das modernas mansões dos ricos.

A violência é gerada da desigualdade desse mundo que nem a tecnologia conseguiu resolver. Tal qual hoje no Brasil a violência chegou num ponto em que foi disponibilizado um referendo em que uma pergunta foi posta em debate, qualquer semelhança é mera coincidência. Vê-se nesse filme que os governantes ao invés de irem na raiz da questão, e resolve-la com saúde, educação, habitação, etc continuam a querer resolver essas questões com força desmedida de seus órgãos e parece que nem no futuro nos livraremos desses martírios.

CineCrítica - O homem sem face

2008-05-16T19:06:00.005-03:00

“O homem sem face” é um filme com ótimo roteiro que consegue emocionar, tendo como ator principal um dos grandes nomes do cinema: Mel Gibson. A história do filme começa no ano de 1968. Chuck Norstadt (Nick Stahl) é um garoto de 12 anos, órfão de pai, que se sente um estranho em sua família de duas meias-irmãs (Gaby Hoffman e Fay Masterson) e uma mãe (Margaret Whitton) que coleciona fracassos conjugais. Uma de suas meias-irmãs, Gloria (Fay Masterson), mostra-se agressiva com ele. Para Chuck, só há uma alternativa: ingressar no colégio militar.

O garoto é reprovado no exame preparatório, mas ninguém de sua família se importa. Nesse momento ele conhece o ex-professor Justin McLeod (Mel Gibson), que no passado teve metade de seu rosto desfigurado em um acidente de carro, e desde então, vive isolado das pessoas, que se referem a ele como “monstrengo”. Com a insistência do garoto em ter aulas com o ex-professor misterioso, Mcleod decide ajudar o garoto a se preparar para o exame que mudará sua vida.

Nasce então uma profunda e benéfica amizade entre professor e aluno, no entanto, como o passado de McLeod envolve um doloroso segredo, os cidadãos da vila levantam suspeitas desagradáveis sobre a ligação do professor com seu jovem aluno. A amizade dos dois conseguirá sobreviver?

Esse drama de 1993 é o primeiro filme de Mel Gibson como diretor. Trata-se de um ótimo filme de grande sensibilidade e final emocionante. Pra quem curte filmes com uma bela história, não sendo mega produções do próprio Mel Gibson como “Coração valente” e “Paixão de Cristo”, vai aí uma boa dica de filme.

Crítica Musical - Ozzy Osbourne: Black Rain Tour

2008-05-16T13:27:00.016-03:00

Essa é a terceira vez que o roqueiro Ozzy Osbourne vem ao Brasil. A primeira foi no lendário Rock in Rio de 1985 e a segunda foi em 1995 no Monsters of Rock. Inesperadamente, Ozzy anuncia uma turnê sul-americana e toca na HSBC Arena no Rio de Janeiro. Quem abriu para o veterano foi o Black Label Society e o Korn. È parece que Osbourne estava a fim de fazer um mini Ozzfest aqui no Rio.

A turnê visa a promoção do novo CD do cantor Black Rain. Antes do show, Ozzy mostra sua verve de comediante em uma série de clipes bem bolados inspirados em séries e filmes de sucesso. Ozzy sabe animar o público, além de ter jogado vários baldes de água na galera. A primeira música do setlist foi a nova “I don’t wanna stop”. Essa música é autobiográfica, e nela Ozzy demonstra toda a sua vontade de continuar cantando e excursionando. Depois veio “Bark at the moon”, um clássico da carreira do Príncipe das Trevas que empolgou a platéia. Depois o madman tocou “Suicide solution”.

Após essa música houve um dos momentos mais emocionantes da noite com “Mr Crowley”. O estádio realmente pulsou com essa música. O show continuou com “Not going away”, onde o cantor demonstra sua vontade de continuar cantando. Há uma pequena pausa e Ozzy fala: "Let´s play some Black Sabbath". Enquanto o telão mostra várias cenas de guerra, o publico agita ao som de “War Pigs”. O show segue com “Road to nowhere” e “Crazy Train”, sendo que essa última talvez seja o maior sucesso da carreira solo de Ozzy.

No intervalo Zakk Wylde manda um solo de guitarra enquanto a equipe técnica acerta alguns detalhes. Depois do solo, mais Black sabbath com “Iron Man” na trilha de sucesso que o filme homônimo gerou no mundo e que conta com a música na trilha sonora. Após o hit veio “I don’t know” e “No more tears”, músicas de sucesso da carreira solo do músico e que fizeram o ginásio tremer de emoção.

Do CD novo veio a música “Here for you” totalmente inspirada no amor do casal Ozzy e Sharon. Depois o rockstar emendou com “I don’t want change the world”, música com temática bem individualista. Após essa música a banda finge que vai embora (Ozzy puxa até um coro de “One more song”), mas volta e toca a balada clássica “Mama, I’m coming home” e o fechamento do show ficou por conta de “Paranoid”. Nota engraçada é que na empolgação do espetáculo, Zakk Wylde jogou sua guitarra para o pista, mas se arrependeu se jogou na platéia para tentar recuperá-la e o público nem devolveu a guitarra e nem deixou ele voltar para tocar a última música. Ao final do show, ele e sua guitarra voltam, só que o instrumento estava totalmente detonado, Zakk então joga os destroços muito puto de volta para o povão.

Setlist:
- I Don’t Wanna Stop
- Bark At The Moon
- Suicide Solution
- Mr. Crowley
- Not Going Away
- War Pigs
- Road To Nowhere
- Crazy Train
- Solo de Zakk Wylde
- Iron Man
- I Don’t Know
- No More Tears
- Here For You
- I Don’t Want To Change The World
Bis:
- Mama, I’m Coming Home
- Paranoid

Crítica Musical - Whitesnake

2008-05-09T18:58:00.007-03:00

Mário Mendes Rodrigues

Na noite do dia 07 de maio de 2008, assisti no Citibank Hall, Rio de Janeiro, ao show de uma das maiores bandas de rock do planeta, banda que é uma de minhas preferidas, estou falando do Whitesnake, do carismático vocalista David Coverdale.

A grande banda inglesa de hard rock de 30 anos de existência fez um ótimo show, que começou por volta de 22:15hs. Eles abriram com “Best years”, do novo álbum de estúdio Good to be bad. Em seguida vieram “Fool for your loving” e “Bad boys”.

Depois de Coverdale se comunicar com a platéia, a banda toca mais uma música do novo álbum: “Can you hear the wind blow”. Depois veio a clássica “Love ain´t no stranger”, fazendo com que a platéia vibrasse. Depois de mais uma música nova, “Lay down your love”, foi tocada a clássica balada “Is this love?”. O ótimo guitarrista Doug Aldrich manda bem na hora do marcante solo.

O próximo grande momento do show é o dos incríveis guitarristas Reb Beach e Doug Aldrich, que mandam ver em solos de guitarras, exibindo técnica. Depois vem o poderoso hard rock “Crying in the rain”. Doug Aldrich detona na hora do solo memorável dessa música. Pena que Coverdale tenha demonstrado uma certa dificuldade para cantar as notas mais agudas do vocal.

Em seguida chega o momento do solo de bateria de Chris Frazier. A banda conta também com o baixista Uriah Duffy e o tecladista Timothy Drury.

Um momento marcante do show é quando Coverdale canta “The deeper the love” acompanhado apenas de Aldrich no violão. Como a platéia cantou junto com emoção, Coverdale chega a se emocionar! Ele foi aplaudido ainda mais!

Apesar de David Coverdale não ter mais o mesmo potencial que fez dele uma das maiores vozes do rock, seu carisma ainda é incrível. O grande lance é que ele estando na melhor forma ou não, os fãs cantam quase todas as músicas junto.

A poderosa música “Still of the night” é tocada nos momentos finais do show. Lembrando da época em que cantou no Deep Purple, Coverdale e a banda tocam o clássico hard rock “Burn”. É o fim do ótimo show, que acabou por volta da meia noite.

CineCrítica - Homem de Ferro

2008-05-08T21:27:00.004-03:00

Homem de Ferro é mais um pipocão que a Marvel e Hollywood nos trazem, para o mais puro entretenimento. Efeitos visuais de última e um orçamento de dar inveja. Para quem não conhece a história, Tony Stark (Robert Downey Jr.) é um prodígio da tecnologia industrial e armamentista. Um astro, que seguiu os passos do pai. Mas quando Stark passa maus bocados no Iraque (nas HQ foi no Vietnã), ele descobre o significado que as armas que projeta podem realmente fazer. A revelação lhe torna em um tipo de herói, só que com um teor um pouco cafajeste, traço já presente no personagem. O bilionário, então, decide fechar as indústrias, porém, o antigo amigo de seu pai Obadiah Stane (Jeff Bridges) não gosta do que ouve, e acaba se virando contra o Homem de Ferro.

Downey Jr. incorporou com prazer, o papel que até poderia ter sido de Tom Cruise ou Nicolas Cage (esse ai já se tornou outro da DC). Afinal, Tony Stark não é um Clark Kent bonzinho ou um Bruce Wayne sombrio, mas um bilionário que gosta da boa vida, das máquinas, do dinheiro, e é claro, das mulheres. Esse estilo de vida de luxo e glamour é exatamente o que torna o protagonista tão interessante, diferente de outros personagens com problemas psicológicos.

O longa ainda conta com a participação de Gwyneth Paltrow no papel da assessora e secretária Virginia “Pepper” Pots, e quem sabe, a futura Máquina de Guerra, o ator Terrence Howard que interpreta o Tenente-coronel James “Jim” Rhodes. Detalhe que o militar até demonstra, em determinada parte do filme, um leve interesse em experimentar um dos trajes de Stark. A direção fica por conta de Jon Favreau, que já dirigiu o infanto-juvenil Zathura, e que até preferiu improvisar em algumas cenas de diálogo durante as filmagens do Ironman.

Ah, não vá embora até assistir, após os créditos do filme, uma cena especial, com uma participação ainda mais especial. Agora, teve uma pergunta que ficou após assisti-la, quanto será que o cara recebeu só pra aparecer depois dos créditos, por menos de um minuto? E por falar em participações especiais, o titio Stan Lee, criador do dito-cujo entre outros hérois, fez uma pequena ponta, que aliás, de tão pequena nem lembro se o reconheci.

CineCrítica - À Procura da Felicidade

2008-05-02T23:00:00.007-03:00

Will Smith em uma de suas melhores atuações, senão a melhor, vive um cidadão americano com um filho e família maravilhosa em "À procura da felicidade".

Em seu primeiro papel dramático Will mostra concentração e muita experiência, sendo um dos atores mais versátis da atualidade.

Will vive Chris Gardner um americano que passa por uma crise financeira e, por isso, perde sua esposa e, por seu filho, dá a volta por cima numa história emocionante com um roteiro fabuloso.

Sem uma super-produção, o filme ganha em seu roteiro que se passa na década de oitenta onde um pai desempregado e desesperado para criar seu filho da melhor forma consegue durante seis meses criá-lo e sobreviver com um estágio não remunerado até ser efetivado em seu emprego.

Indicado ao Oscar de melhor ator, Will Smith, o filme marca a ascensão de grande astro do cinema pipoca americano.

CineCrítica - Super-Herói: O Filme

2008-04-29T11:51:00.004-03:00

É claro que existe arte para parodiar um gênero e os filmes que servem como exemplos são: “Apertem o Cinto, o Piloto Sumiu”, “Corra que a Polícia Vem Aí” e “Todo Mundo em Pânico 3 e 4”. O que há em comum entre esses filmes e “Super-Herói: O Filme”: o diretor David Zucker. A diferença é que nesse filme, Zucker vem como produtor num estilo de filme que vem se tornando especialista.

O filme parodia basicamente a trilogia de “Homem-Aranha”, embora tenha pitadas de outros filmes como: “X-men” e “Quarteto Fantástico”. Quem literalmente rouba a cena é o veterano comediante Leslie Nielsen em um papel descaradamente inspirado no Tio Ben. A atriz Pamela Anderson tem curiosamente uma aparição muito rápida no filme.

O herói Rick Riker (Drake Bell) é um Peter Parker atrapalhado que se transforma no herói Libélula e o vilão Ampulheta, alter-ego de Lou Landers, (Christopher McDonald) é uma junção de Norman Osborn e Doutor Octopus, mas que não tem metade do carisma dos vilões clássicos.

Não vão embora antes dos créditos, pois há mais uma seqüência de piadas que não foram aproveitadas no filme e que se fossem aproveitadas, tornariam o filme ainda mais engraçado!

CineCrítica - Duro de Matar 4.0

2008-04-25T16:57:00.008-03:00

Não preciso dizer que Bruce Willis está de volta doze anos depois de Duro de Matar - A Vingaça de 95. O tira John McClane, em mais um dia fatídico de sua vida, realmente tem a ilusão de que vai, apenas, trazer um hacker para a DP. Errou legal!

Para quem se recorda do personagem, McClane está tão ácido nas provocações do que nunca. O resultado, além de muita ação cara e mentirosa, são algumas risadas, fruto das caras e bocas vindas dos vilões que se ferram (praxe). A história tem um teor moderno para um policial da velha guarda: um ex-funcionário revoltado do governo (Timothy Olyphant) monta um esquema para debilitar, através da rede de computadores, todos os recursos da nação norte-americana.

Os pontos altos do filme, com relação às cenas de ação, são quando Willis enfrenta um caça F-32 e quando bota de castigo, no poço de um "pequeno" elevador de carga, a namorada (Maggie Q) do ex-funcionário "revoltadinho" que tenta implementar o caos na nação. A aventura que, além de ser engraçada, é também um prato cheio para quem já está acostumado com as cenas impressionantes produzidas pelos gringos norte-americanos.

Detalhe para o dublê de Willis, Larry Rippenkroeger, que fraturou os dois pulsos e alguns dos ossos da face, ao realizar uma cena em que caiu sete metros no chão. Tal incidente causou a interrupção das filmagens temporariamente. Bruce Willis ainda foi gente boa, pagando até a estadia do hotel dos parentes que foram visita-lo, além de acompanhar regularmente a recuperação de Larry.

Crítica Musical - Black Dog

2008-04-20T23:03:00.004-03:00

Uma ótima noite só isso tenho a dizer! O que parecia que seria uma noite morna acabou se transformando num ótimo programa. É verdade que a localização e a organização do Bar do Blues não foi lá uma maravilha. Que confusão pra comprar uma cerveja!

Mas devo admitir que as bandas que se apresentaram eram de qualidade razoável para bom. A de blues e a cover do Iron Maiden eram razoáveis. E a Black Dog é de boa qualidade boa para uma cover de Led Zeppelin e Deep Purple.

Quando a banda cover do Iron começou a tocar geral ficou se olhando sem entender foi que aí apareceu uma amigo meu e disse: Calma! É só depois dessa. Mediante esta fala até que eu me diverti com aqueles caras tocando Iron.

Depois entrou a Black Dog tocando “The ocean” do Led Zeppelin para mostrar a que veio. Bem agora vou separar por bandas como foi a ordem das músicas. Led Zeppelin, a clássica “Black dog”, a mais que clássica “Dazed and confused”, a eletrizante “Whole lotta love” e a linda “Stairway to heaven” para finalizar o show. O público foi a loucura com essas músicas principalmente, pois, tinha uma grande concentração de membros do fã-clube do Led Zeppelin: Zeppeliano.

Deep Purple, a super-clássica “Smoke in the water”, a inflamada “Burn” a retalhada pela banda “Black Night” que a transformou num momento em reggae quando foram se apresentar.

Enfim, acabou valendo o preço do ingresso e garantiu minha indicação quando tocarem boas bandas por lá, principalmente, porque não tivemos nenhum problema na volta para Niterói.

CineCrítica - Antes Só do que Mal Casado

2008-04-17T16:51:00.007-03:00

“Antes Só do que Mal Casado” é aquele filme que te faz pensar sobre a vida miserável que temos. Na verdade, eu nunca assisti a um filme de comédia tão negativo em minha vida simples e casual.

Eddie Cantrow (Ben Stiller) é um solteiro quarentão que ainda não encontrou o amor, quando numa ida a esquina, depara-se com um “assaltante” que estava roubando a bolsa de alguém que qualquer pessoa acharia a mulher perfeita para ele. E não, a loiraça Lila (Malin Akerman), com quem acaba se casando, não era essa mulher. Depois de muita luta, alguns risos e desgraça suficiente, acaba esbarrando em plena lua-de-mel com Miranda (Michelle Monagham) e daí você já sabe...quero dizer, você acha que sabe.

O final é definitivamente alternativo, mas longe de ser satisfatório. Não leve a mal, Stiller é até engraçado e a sintonia com os diretores, os irmãos Peter e Bobby Farrely, é boa (vide “Quem Vai Ficar com Mary?”), entretanto, com uma história que dá voltas e mais voltas amargamente engraçadas, e ainda não chega a lugar algum, fica difícil. Tudo bem, é uma comédia romântica, mas uma bem diferente.

Crítica Musical - O Rappa: O silêncio que precede o esporro

2008-04-11T15:38:00.009-03:00

Elder Motta

Primeira gravação de DVD após a saída de Marcelo Yuka, Falcão arrebenta em show no Olimpo (Rio de Janeiro). O show agita a todos com o entusiasmo e disposição que só O Rappa tem. Contagia toda a galera que além da animação, pula muito.

No entanto, muito de sua essência se perdeu após a saída do Marcelo Yuka. O Rappa continua com sua crítica à sociedade mas sem aquele teor fortes e coerentes das letras do batera. O grupo deixou a batida de reggae para se tornar uma banda de puro rock e, assim, ganhando em ritmo e perdendo em letra. Bem, a perda na letra foi suprida pela música que fica a cada dia mais agitada e contagiante. Apesar de tudo, o show é uma ótima pedida para levantar o astral e esquentar a noite.

Crítica Musical - The police

2008-04-04T19:24:00.012-03:00

Mário Mendes Rodrigues

O sábado do dia 8 de dezembro de 2007 foi certamente o melhor sábado do ano passado para mim, musicalmente falando. Nesse dia, mais precisamente na noite desse dia, eu tive o grande prazer de assistir um show de minha banda de pop-rock favorita, o clássico The police, uma banda de 30 anos de existência. A primeira vez que o Police veio ao Brasil foi em 82, quando tocou no Maracanãzinho, então daí dá pra observar que essa volta da banda ao Brasil 25 anos depois, arrastaria uma multidão de vários estados do Brasil para a cidade do Rio de Janeiro.

Fui ao Maracanã com meus amigos Milan e Leonardo. Nem preciso dizer que antes do dia 8 eu já estava totalmente no clima, tendo ido comprar camisa do The police com Milan e Rodolpho (que não foi ao show). No início da tarde do dia 8, eu e meus amigos já estávamos indo para o Maracanã. Chegamos lá bem antes das 17:00hs, a hora da abertura dos portões. Entrar no Maracanã foi tranqüilo. Encontramos um bom lugar na arquibancada lateral e ficamos esperando o show e conversando.

A banda de abertura foi o Paralamas do sucesso, que começou pontualmente às 20:00hs. Herbert Vianna, Bi Ribeiro e João Barone fizeram um bom show rápido, tocando suas músicas mais importantes. Eu que não sou fã dos Paralamas reconheço que eles mandaram bem.

Mas o que importa é o The police!! Às 21:30hs o guitarrista Andy Summers e o baterista Stewart Copeland entram no palco tocando o clássico “Message in a bottle”. O cantor e baixista Sting aparece e detona. Vibração total!!

Depois de “Message in a bottle” vem a também vibrante e direta “Syncronicity II”. Realmente, essas duas músicas são rocks que tem tudo a ver uma com a outra. É possível constatar que a grande banda está afiada e Sting está cantando muito bem.

Quando acaba a segunda música, Sting diz “Que saudades do Brasil!” e apresenta a banda. Em seguida ele pergunta: “Agora, quem canta? Quem canta? Quem canta comigo?” Nesse momento o The police arrepia com “Walking on the moon”. Nessa hora é possível lembrar que o Police tem a sua adorável influência de reggae.

O show prossegue envolvente. Em “Driven to tears” Andy Summers detona na guitarra. O pop-rock vibrante “Truth hits everybody” é seguido da poderosa música “Every little thing she does is magic”, que agrada o público.

O show continua com “Invisible sun”, “Can´t stand losing you” e “Roxanne”, que é tocada de forma diferente, com um tremendo clima no meio, que termina com Copeland “destruindo” a bateria.

A banda sai pela primeira vez. Não demora e a banda volta para tocar mais três músicas: “King of pain” (música em que Sting dá uns uivos), “So lonely” e o hit de letra romântica, mas que não é balada “Every breath you take”. Fim de show?

Na verdade, ainda não era o fim do show. Sting e Copeland saem, mas Summers fica no palco, fazendo graça com o público, fazendo gestos, caras e bocas, como se estivesse dizendo: “Mas esses caras não sabem que tem um show pra terminar?”

O bis é o rock´n´roll “Next to you”, que Summers inicia. Sting e Copeland voltam e mandam ver. Ao final dessa música chega, de fato, o fim do show de quase 2 horas, que foi nota 10. É importante lembrar que o público do show foi de 70.000 pessoas.

A volta do The police foi um dos principais acontecimentos musicais de 2007. Nesse ano, eles também tocaram no mega evento mundial Live earth.

Agora é esperar um novo show da banda no Brasil, ou quem sabe, um novo álbum com músicas novas. Será que o The police vai continuar na ativa? Os fãs desejam muito isso, mas não podemos esquecer que o Sting tem uma bem sucedida carreira solo também.

CineCrítica - Superbad: É Hoje

2008-04-04T18:10:00.010-03:00

Rodolpho Terra

Fazia tempo que não saía da sala do cinema tão sorridente e bem-humorado como quando fui assistir a ‘Superbad: é hoje’, que fala sobre os losers adolescentes da terra do Tio Sam. A princípio soa como mais um típico pastelão norte-americano. Na verdade, é, só que bem construído e com direito a piadas bem sacadas. O defeito do filme, tirando os inúmero palavrões (só a palavra "fuck" é dita 186 vezes no decorrer do filme), é o final óbvio. Embora eu as tenha visto no cinema, acho que as aventuras dos dois amigos Seth e Evan, mais o colega nerd Fogel, que no filme acaba se passando pelo doador de orgãos havaino de 25 anos McLovin (cômico), são mais dignas de boas risadas no sofá de casa. É bem melhor do que assistir a ‘Sessão da Tarde’. Fato interessante é que o verdadeiro Seth, é o ator que interpreta o policial Michaels, Seth Rogen. Ele e Evan Goldberg foram os que começaram a escrever o roteiro do filme, quando tinham apenas 13 anos.

Crítica Musical - PR-5

2008-03-31T11:13:00.008-03:00

Milan Moraes

Uma noite fria de outubro era o cenário de um show. Lá estava eu em um terreno hostil e inóspito para presenciar um show do RPM. Quem poderia imaginar que teria um show de rock naquele lugar tão marcado pelo country music brasileiro. Era ele que deveria ser o pano de fundo daquele evento, um rodeio. Este evento foi por uma noite/madrugada, o point do pop-rock nacional com um show do RPM, na verdade sob o nome PR-5, mas isso eu explico mais tarde.

Era um palco em dimensões razoáveis para um show do porte da banda. Fim do rodeio, começa a aglomeração de pessoas no palco ao lado para o show. À meia-noite quando ninguém esperava, veio uma fumaceira do palco e começaram a se escutar os acordes da música que o grupo fez para o programa Big Brother “Vida Real” que está na boca do público por causa do programa. Eu até perdôo os problemas técnicos que presenciei nessa faixa pois erros acontecem até em eventos de grande porte.

Depois vieram grandes sucessos que agitaram os fãs como: “Revoluções por minuto”, “Louras geladas”, “Rádio Pirata”, “Alvorada voraz” e “Juvenila”. O grupo arriscou covers de Cazuza com “Exagerado” e de Raul Seixas com “Gitá”. Músicas muito bonitas que emocionaram a platéia: “Terra Brasilis” que conta a possibilidade de um mundo utópico assim como “Imagine” famosa música de John Lennon, que foi tema de uma novela global na voz de Paulo Ricardo.

O show foi fechado com a eletrizante “Olhar 43” que aqueceu o público de Descoberto e os botou para dançar. Nota triste do evento é que nesse dia tinha sido a primeira vez que vi o Paulo Ricardo com a nova formação do RPM. Infelizmente os velhinhos foram tirados à força pelo vocalista do grupo, o que ocasionou esse racha na banda. Só o baterista continuou. Contudo esses acontecimentos, não estragaram a noite das descobertenses que gritaram muito para chamar a atenção de Paulo Ricardo (inclusive a minha tia, que mico).

CineCrítica - Eu sou a lenda

2008-03-29T13:44:00.017-03:00

Milan Moraes

O romance de Richard Matheson "Eu sou a lenda", lançado em 1954, encontra-se atualmente, em sua terceira adaptação para o cinema. Suas excelentes idéias definitivamente nunca se tornarão obsoletas, pois se relacionam com os maiores medos da humanidade. A última versão do filme de 2007 se caracteriza como um blockbuster, ou seja, tem efeitos especiais, produção milionária e astro com contato milionário e sendo assim tinha a obrigação de estourar na bilheteria.

A diferença desse filme para outros do tipo é a atuação inspiradíssima do astro Will Smith que fez valer seu alto cachê. Em seus monólogos, algumas cenas em que precisava demonstrar sua sensibilidade, Will demonstra todo o seu potencial. As cenas com o seu cachorro e suas discussões com Ana, personagem da brasileira Alice Braga, são apenas mais algumas das provas dessa afirmação.

As cenas de uma Nova York devastada foram sensacionais por terem sido rodadas na própria Big Apple. É inacreditável a transformação da metrópole que o diretor do filme, Francis Lawrence, mostra. Uma curiosidade é que cerca de 2/3 do filme é centrado em um só personagem, Robert Neville, de Smith. O filme não tem narrador e todo o extermínio do passado é mostrado por flashbacks. Mais um ponto favorável para o diretor que conseguiu que o ator respondesse às imagens que eram mostradas, até em solitárias cenas.

Nem tudo são flores no filme, os monstros são muito computadorizados, e têm muitas habilidades especiais, não mostrando muito realismo. O final foi muito comercial e não era o final escolhido pelo diretor que prometeu ser inteligente, filosófico e subjetivo. Mas infelizmente a indústria do cinema americano, ao mesmo tempo em que dá o orçamento necessário para o sucesso do filme, cobra esses desvios de conduta com o objetivo de maximizar mais ainda seus lucros.

CineCrítica - 10.000 a.C.

2008-03-28T19:27:00.005-03:00

Elder Motta

Roland Emmerich repete a receita básica do sucesso dos filmes épicos: a luta pela liberdade de um povo movimentada por um romance desatado. No entanto, errou a mão na dose de cada ingrediente.

O filme se passa no final da era glacial, onde a tribo de D'Leh (Steven Strait), com suas profecias, prevê a chegada de um grande guerreiro que levará a mão de Evolet (Camila Belle) e juntos libertarão seu povo dos demônios de quatro patas. Este guerreiro é o próprio D'Leh que parte para uma aventura em busca de seu amor e da liberdade de seu povo.

Entre essas aventuras há muitos efeitos visuais como, por exemplo, o tigre dentes-de-sabre, mas para uma super-produção somente efeitos especiais não bastam. A trama é muito pobre de roteiro (podemos até adivinhar as falas dos personagens) e há diversas falhas históricas e geográficas. As tribos falam a língua inglesa, existem caravelas gigantescas e cavalos.
Para o fim da era glacial ao mesmo tempo da construção das pirâmides do Egito o filme precisaria de muito mais ação para cobrir essas falhas.

Realmente a receita misturando fermentos de paixão e liberdade foi tão fraca que fez o bolo de 10.000 a.C. solar.

CineCrítica - Sweeney Todd: O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet

2008-03-27T20:22:00.014-03:00

Rodolpho Terra

Johnny Depp já teve de fato muitos papéis excêntricos e charmosos, "Sweeney Todd, o barbeiro demoníaco da Rua Fleet", poderia ser apenas mais outro. No entanto, entre as ruas de uma Londres suja e obscura, ele canta como se não fosse um assassino em busca de vingança.

A parceria entre Depp e Tim Burton sempre soa como um filme memorável desde ‘Edward Mãos-de-Tesoura’. A magia e o estilo de ambos são notáveis em cada cena do musical, inconfundíveis. Só não é aconselhável para os que não simpatizam com o gênero — afinal, o filme é baseado num sucesso da Broadway. Quem curte vai adorar o contraste da cantoria contagiante com a sede de vingança macabra, ambientada em clima noir.